BIOGRAPHIE DE GROUPE

BIOGRAPHIE DE GROUPE vous pouvais poster tt vous biographie Comme ca y'aurai pas a trop chercher

CARCASS

Le groupe débute donc en 1985 avec Ken Owen à la batterie et Sanjiv au chant. Ce dernier quittera le groupe avant l'enregistrement du premier album et c'est le duo Jeff Walker/Bill Steer qui assurera le chant pour les deux premiers albums. Mike Amott rejoint le groupe en tant que second guitariste avant l'enregistrement de Necroticism: Discanting the Insalabrious, album qui initie leur changement musical tout en conservant les éléments grindcore de leurs débuts. Jeff assure maintenant la grande majorité du chant.

Dans le quatrième album, Heartwork, Carcass prend définitivement une orientation plus métal, les structures des morceaux sont moins complexes et le son plus épais. Cet album est probablement une sinon la pierre fondatrice du style de death métal dit scandinave qui s'est développé ensuite. Mike Amott quitta le groupe après l'enregistrement, reprochant semble t'il la tournure mélodique que prenait le combo à cette époque. Il sera remplacé pendant quelque temps par Mike Hickey.

Carlo Regadas prend la place de guitariste pour l'enregistrement du dernier album qui devait normalement être distribué par une major, Sony en l'occurrence. Cependant un désaccord artistique pousse Carcass, après un an d'attente, à récuperer leurs pistes et c'est Earache qui sortira Swansong en définitive. Bill Steer quitte le groupe avant la sortie de l'album, le reste du groupe décide de splitter. Jeff Walker et Ken owen ont reformé dans la foulée un nouveau groupe, Blackstar. Groupe au point mort, suite à l'accident vasculaire cérébral de Ken Owen qui le laissa dans le coma pour une dizaine de mois, accident dont il semble avoir récupéré depuis puisque selon ses propres dires, il a recommencé la batterie. Cependant, le processus fut assez pénible puisque son hémorragie cérébrale ainsi que le coma l'avaient laissé infirme. Il lui font donc nécessaire de procéder à une rééducation fonctionnelle avant de reprendre la pratique de l'instrument à zéro.

Bill Steer est toujours en activité, jouant dans Firebird, un groupe de blues pour lequel il a recommencé à tourner. Michael Amott également, jouant alternativement dans Spiritual Beggars, groupe de stoner et surtout dans Arch Enemy, combo de Death Metal fondé avec son frère Christopher Amott dans l'optique de monter un groupe qui soit une continuation de Carcass. Par ailleurs, il a participé en tant que mercenaire à de nombreux albums. Information fournie par Mark "Barney" Greenway de Napalm Death, Jeff Walker a monté semble t'il un groupe de grindcore, nommé To Separate The Flesh To The Bones.

Les chansons du groupe sont orientées autour de thèmes médicaux, les paroles contenant souvent des termes techniques, le tout avec un second degré assez évident. Cette thématique a amené certains journalistes à penser qu'un membre du groupe serait étudiant en médecine, ce qui est faux. Il se trouve que Ken Owen a étudié la biologie à l'école (un peu comme tout le monde d'ailleurs) et qu'il a eu accès à la thématique ainsi qu'au vocabulaire. L'ironie de l'histoire veut que les membres du groupe soient végétariens avant de fonder Carcass.

Lofofora se crée en 1989 autour de Phil et Reuno. Après quelques concerts et divers mouvements au sein du groupe, Pascal et Edgar le rejoignent fin 1992 au moment de la rencontre fortuite (lors d'une répétition au Frigo) avec Sriracha Sauce...
C'est le 1er fevrier 1993 que la structure organise le premier concert du groupe - Squat de la Moskowa avec cette composition.
Dès octobre de la même année, le groupe enregistre ce qui sera son premier disque
(enregistré au studio Secret par Chinois), un 5 titres auto-produit où l'on retrouve des morceaux comme "L'oeuf" et la reprise des Négresses Vertes, "Zobi la mouche".
Ce LP sera commercialisé en mars 94.
Quelques mois plus tard, en décembre, Lofofora est programmé aux Transmusicales de Rennes et s'adjuge un article sur cinq colonnes avec photo, en première page du supplément culturel du "Monde".
C'est cet article qui, par un effet de boule de neige, les révèle au milieu professionnel et leur permet d'être signé chez Virgin, un an plus tard, en décembre 94.
En effet, l'article du "Monde" est repris par "The Guardian" à Londres (avec une photo de la Mano Negra!) .

A la suite de cette parution londonienne, c'est le "Washington Post" qui s'interroge sur l'existence
d'une tendance "French metal" et mandate auprès du groupe son représentant parisien pour une interview.
Dans la foulée de ce nouvel article, c'est le "Billboard" -bible du music business- qui se manifeste et
consacre un nouveau papier sur le métal français avec présentation de l'article en première page.
Dans les 24heures, Virgin, puis d'autres majors, réagissent...
En septembre 94, au terme de 11 mois de négociations, Lofofora signe en édition chez Polygram et, avec l'argent perçu, auto-produit son deuxième album (studio des Forces Motrices par David Weber) qui sera commercialisé en mars 95 et se vendra à près de 45 000 copies...
La série de concerts quasi ininterrompue (sauf pour l'enregistrement du LP) depuis la sortie du 5 titres en mars 94, prend fin en mars 96.
C'est l'enregistrement de "Peuh" (studio Hautregard par André Gielen) qui succède à la scène, lui-même relayé par la tournée dès août 96 et jusqu'en juillet 97 (40 000 copies vendues à ce jour).

Le groupe travaille dès lors son album à venir, enregistre deux titres avec Kabal (en juin 98)
et part de nouveau en Belgique graver son quatrième opus (studio Hautregard par André Gielen et Mazarin),
certainement le plus abouti de tous, "Dur comme fer" (12 titres) qui sera commercialisé le 16 mars 99.
Reuno - avec Marco (Treponem Pal) et Mouss (Mass Hysteria) - a participé à l'enregistrement d'un morceau sur l'album de Boost en mars 99, à Strasbourg.

L'année 1999 fut riche en événements : single Kabal/Lofofora, sortie du dernier album, à la fin de l'année la réédition du 5 titres.
Sont également à noter : un remix d' "Amnes History" par Pushy et un autre d' "Holiday in France" par Doctor L.
Pour sa part, Phil a travaillé avec Noxious Enjoyment sur le 4 titres qui est sorti en été 2000, en compagnie de K-Shoo (ex Boost, ex Dirty District), Maya (ex Call Us As You Wish!).
Leur album est sorti en 2002 et disponible dans les bacs. Début janvier 2000, le premier 5 titres des Lofofora (avec "L'oeuf", "No Facho", "Zobi la Mouche", "Baise ta Vie", "Le Trou du Con") a été réédité.

Farid a sorti un album "solo" avec Djamal ex-Kabal, le groupe s'appelle In-Vivo. C'est ce nouveau projet qui pousse Farid à quitter les Lofofora à l'automne 2001.
24 avril 2001, sortie de "Double" chez Jaff, double album donc de Lofofora avec un CD live et un CD de reprises et d'inédits. Lofofora a également participé à la compilation French Core (2001), à l'hommage à Brassens, "Les oiseaux de passage" en réadaptant "Les passantes" ainsi qu'à une des deux compilations de soutien au CIRC (sortie janvier 2002).
Fin 2001, c'est Daniel (Noxious Enjoyment) qui remplace Farid à la guitare. Edgar est quant à lui remplacé par Pierre.

C'est le moment de recevoir les honneurs de la grande scène des Eurockéennes de Belfort durant l'été 2002.
Puis le groupe s'enferme en studio pour accoucher de son 4ème album studio, Le Fond et la Forme, sorti le 14 janvier 2003 avec une entrée à la 22 ème place du top IFOP et enchaîne comme à son habitude sur une tournée nationale d'envergure.

Depuis LOFOFORA a sorti son DVD Live (entrée 2eme au TOP Ifop Vidéo musicales) qui atteint les 14000 exemplaires, a enchaîné une tournée SRIRACHA LABEL à l'automne 2004 et a travaillé à la composition de son nouvel album.

LOFOFORA a pris la décision d'enregistrer son 5eme album studio avec une des références de la scène rock française : Fred Norguet, un des producteur les plus actifs de la scène underground nationale, qui a multiplié les collaborations avec des groupes comme Ez3kiel, Burning Heads, Nihil, Spicy Box, Sleeppers …
L'album a été enregistré au Pressoir et mixé au studio Pôle Nord à Blois, il comportera 14 titres qui seront un véritable patchwork de ce que LOFOFORA est capable de composer : des titres métal ou punk très rapides et violents, des morceaux mid tempo pesants, ou des ballades bien senties.
Les compositions regorgent toujours d'efficacité et de puissance ;
quant aux textes de Reuno, ils restent aussi pertinents, actuels et travaillés qu'à l'accoutumée.
Après deux réussites successives avec Le Fond et La Forme, et le Double DVD Live, Lofofora veut confirmer son retour en grâce auprès du public, avec un cinquième album qui va en retourner plus d'un !

Muse est un groupe composé de trois jeunes anglais d'une vingtaine d'années : Matthew James Bellamy à la guitare, aux claviers et au chant ; Christopher Wolstenholme à la basse, au choeur et autres percussions et enfin Dominic Howard à la batterie et aux percussions.
A 13 ans, ils forment un groupe : Gothic Plague, puis Fixed Penalty et enfin Rocket Baby Dolls et font leurs armes avec des reprises et des classiques des débuts 90. Ils ne rencontrent pas vraiment le succès, mais cela ne les a pas découragé, bien au contraire...
A cette période, la Britpop commence à cartonner, leur ouvrant une nouvelle voie. Matt : "Quand la Britpop et Oasis sont arrivés, ça ne m'a rien fait. Je ne sais pas pourquoi. Je ne trouvais pas ça assez passionné, je pensais pas que la musique devait être comme ça. C'est pour ça que nous avons commencé à écouter de la musique américaine. Elle nous semblait plus cool..."
Alors que tout le pays est concentré sur Blur et Oasis, Matt, Chris et Dom s'intéressent à ce qui se passe de l'autre côté de l'atlantique, écoutants Primus et The Smashing Pumpkins et les deux albums qui rassemblent tout ce que la musique représente pour eux : Nevermind de Nirvana et The Bends de Radiohead.

En 1998, Muse rencontre Taste Media (une joint-venture en Sawmills, un célèbre studio anglais et SJP, une société de management), et là le rythme s'accélère, les répétitions s'enchaînent, et Muse se retrouve soudain à faire des concerts à Londres. Quelques labels américains commencent à s'intéresser au groupe, et fin 1998, ils font des concerts aux Etats-Unis. Très vite le label Maverick les rencontre et les signes en Amérique du nord, suivent Motor-Universal pour l'Allemagne, Mushroom pour la Grande Bretagne et l'Australie et Naïve pour la France.

Le 1er EP de Muse, "Muscle Museum", est distribué par Dangerous Records en Angleterre fin 98 et connait un succès considérable aussi bien commercial que médiatique : "Muse, then. Sounds like Radiohead. Only Better !" (NME). C'est ensuite avec le producteur John Leckie (The Verve, Radiohead...) qu'ils enregistrent "Showbiz", leur premier album, au Sawmills studio, Cornouaille, en avril 99... Grâce à un bouche à oreille très élogieux, l'attente de ce premier album devient de plus en plus importante, et une tournée Anglaise qui s'étendra à l'Europe après un bref passage aux Etats-Unis débute. Le potentiel du groupe sera très vite reconnu par tous, notamment en France où dès leur premières apparitions radio (Oüi FM) et télévisuelle (Nulle part Ailleurs - Canal +) Muse impressionne par son talent et remercie la France pour son accueil en sortant "Showbiz"dans notre pays le 7 septembre 1999, un mois avant la sortie mondiale

(Surtout) encensé ou bien rejeté par la presse, ce qu'on retiendra de "Showbiz" c'est qu'il à marqué les esprits, mais vite les comparaisons avec le groupe Radiohead s'enchaînent et le charismatique Matt est vite comparé à Thom York.
"Il y a une ressemblance entre Radiohead et nous, mais nous sommes bien plus qu'un bouche-trou en attendant que leur prochain album sorte. Nous ne faisons pas partie de ces gens qui veulent faire accepter une simple copie. Nous sommes Muse, et non un pastiche de Radiohead" explique le groupe.

Après un départ impeccable avec "Showbiz" dont le monde du rock se souviendra, notamment grâce aux incoutournables "Muscle Museum", "Sunburn", "Cave", "Uno" et j'en passe, le groupe commence à mettre en place les nouvelles tournées, notamment en France, où déjà le groupe jouera déjà à Bercy, en première partie des Red Hot Chili Peppers : des fans ne viennent que pour voir le trio du Devon... La participation aux concerts des Red Hot Chli Peppers et des Foo Fighters leur permet de jouer face à des milliers de personnes aux États-Unis et la presse ne tari pas d'éloge face à l'énergie et l'efficacité du groupe.

Pendant l'été 2000, le groupe fera la tournée des festivals en s'essayant sur de nouvelles compositions qui foisonnent dans l'esprit très créatif de Matthew. Septembre 2000, peu de temps après les concerts de l'été, le groupe entre déjà à en studio, une nouvelle fois avec John Leckie pour enregistrer le prochain album, dont quatre titres ("New Born", "Bliss", "Darkshines" et "Plug In Baby") sont très vite finalisées, cet album s'appellera "Orange in a cemetery"... euh non ! En fait ça sera "Origin of Symmetry" le nom retenu finalement.

Origin of Symmetry" qui sort le 18 juin 2001, marque clairement un changement avec "Showbiz", ce qui est très certainement dû au fait que le groupe a composé cet album sur les routes pendant leurs tournée de 2000, c'est aussi la première fois qu'une reprise figure sur un album, "Feeling Good", en quelque sorte hommage à la mère de Matthew qui adore cette chanson comme l'explique ce dernier. "Origin of Symmetry" encore une fois regorge de morceaux incontestablement excellents, il est difficile en effet de ne pas apprécier "Citizen Erased" et son anti-thèse "Microcuts" ou encore de prendre du plaisir sur des titres fédérateurs comme "New Born", "Plug in Baby", "Darkshines", "Bliss" et encore une fois j'en passe, c'est d'ailleurs à cette période que l'on se rend compte que chez Muse, quasiment tout se garde... A noter que "Origin of Symmetry" ne sortira pas aux Etats-Unis et aucune nouvelle du groupe ne sera plus donné outre-atlantique...

Encore une fois avec "Origin of Symmetry" Muse remporte un succès phénoménal et commence à être largement reconnu comme une pointure d'un genre presque nouveau tellement la spontanéité du groupe surprend, de plus les fans sont de plus en plus nombreux, tant est si bien que le concert d'octobre 2001 à Paris (Zénith) est enregistré pour être décliné sous la forme d'un DVD et d'un double album live, composé de B-Sides (titres inédits ne figurant pas sur un album, exception faites des versions japonaises) : "Hullabaloo", en juillet 2002. Sort aussi un nouvel EP, "Dead Star / In Your World" contenant parmi deux clips, une version instrumentale et une B-Side ("Futurism"), vous l'aurez compris, "Dead Star" et "In Your World" qui remportèrent toutes deux un succès énorme auprès des fans. De quoi patienter avant la sortie qui se confirme d'un troisième opus, cap parfois difficile pour un groupe.

Et ce troisième album studio se dessine de plus en plus, après une année 2002 marquée à nouveau par la performance de nos trois compères à jouer tout l'été pour les festivals, l'enregistrement fin 2002 - début 2003 débute. Six mois plus tard, alors que les rumeurs vont bon train, Muse marque l'arrivée du nouvel album en changeant de site web (qui change aussi d'url, passant de muse-official.com à muse.mu), on est le 14 juillet et mis à part les essais joués en live, le premier titre finalisé d'"Absolution" sort avec en prime un clip : "Stockholm Syndrome" et Muse, quelque part précurseur d'un nouveau mode de téléchargement de musique, permet aux fans pour le prix d'un SMS de faire soi-même son single. "Stockholm Syndrome" par ailleurs ne sortira pas sous d'autres formats en tant que single... Quelques jours plus tard les radios s'emballent et nous délivrent un deuxième extrait, "Time is Running out", une mélodie qui marque, une ligne de basse qui reste dans la tête sans vouloir partir, le premier tube de ce nouvel album est sorti et arrive avec un clip (inspiré du film ). Les fans sont tellement impatients que quelque part malheureusement et à cause de fuites, la surprise n'est pas entière lorsqu'en septembre "Absolution" sort enfin.

Si "Showbiz" était une déclaration d‘intention brute de décoffrage, et "Origin of Symmetry", l’affirmation que Muse avait trouvé ses marques sur un terrain de jeu plus vaste, "Absolution" est le plus abouti. Dom se souvient : "Showbiz s’est fait à Teignmouth, sans pression de délai, sans label, sans rien du genre. On faisait juste de la musique comme il nous plaisait. Le premier album est vraiment une image honnête de nous, à l’époque. Ça s’entend, je pense. Le deuxième était dans un état de confusion, entre les signatures de contrat, les déplacements, la perte d’identité. Origin of Symmetry reflète cette impression de confusion, de ne pas vraiment savoir ce qui se passe." Chris ajoute : "On savait qu’après le deuxième album, de toute façon, il faudrait trouver notre véritable personnalité. Pour cela, nous devions revenir aux bases, faire de la musique pour nous, dans notre espace familier. Quand tu fais de la musique et que tu rentres chez toi ensuite, ou que tu passes quelques jours par semaine à bosser quelque part et que tout le monde rentre chez soi après, la musique a une dimension bien plus personnelle. Je pense que ça s’entend sur cet album".
La sortie de cet album sera suivi d'une série de concerts privés puis d'une tournée européenne (où le groupe montre à nouveau son attachement pour la France en passant deux fois à 4 mois d'intervalle) et enfin de la tant recherchée tournée américaine, en effet après avoir signé chez Warner Bros., le groupe sort "Absolution" dans le pays de l'oncle Sam, et après des débuts rappelant justement leurs débuts, lorsqu'ils jouaient dans des clubs en 1999, le succès l'emporte et Muse conquit l'Amérique du nord...

"Absolution" est donc l'album qui à confirmé la place de Muse dans le paysage rock actuel, leur permettant de revenir sur le devant de la scène aux Etats-Unis, et, n'en déplaise aux fans de la première heure, Muse est maintenant un groupe au succès mondial et indéniable. Ne cherchez pas plus loin, Muse passe juste au dessus de nos têtes...

To be continued...

Trevor Dunn: bass
Danny Heifetz: percussion
Clinton "Bär" McKinnon: tenor sax, clarinet, keyboards
Mike Patton: vocals
Trey Spruance: guitar, keyboards

Mr. Bungle was formed in 1985 in Eureka, California. The original line-up included Trevor Dunn on bass, Mike Patton on vocals, Trey Spruance on guitar, and Jed Watts on drums. The band took its name from two short films which appeared in early episodes of the "The Pee Wee Herman Show," in which an ill-mannered, un-hygienic puppet clown demonstrated how good grade-school kids should not behave (only later did band members learn, through Faith No More bassist Bill Gould, that the porn flick "Sharon's Sex Party" also stars a character named Mr. Bungle).

Mr. Bungle's first demo tape, "The Raging Wrath of the Easter Bunny," was recorded in 1986. It featured a low-fi, fast, death metal style that also managed to incorporate the sounds of bongos, a trainwhistle, a saxophone, and a kazoo.

In the next year at least two versions of a tape called "Bowel of Chiley" were recorded and distributed by Mr. Bungle, mainly to local radio stations. One of these was reproduced and sold without the band's permission (on tape in 1991 and on CD in 1997), creating one of the more popular Mr. Bungle bootlegs, the erroneously-titled "Bowl of Chiley". The music of "Bowel of Chiley" was radically different than that of "The Raging Wrath of the Easter Bunny," mixing the sounds of ska, swing, and funk. By this time drummer Jed Watts had been replaced by Hans Wagner, and the band's new sound required the employment of Scott Fritz & Theo Lengyel as horn players.

In 1988 Fritz was out, Luke Miller was in, and Mr. Bungle released "Goddammit I Love America!" Similar to "Bowel of Chiley" (described by band members as "a Fishbone rip-off"), but with a tighter sound, two of the seven tracks on "Goddammit I Love America!" would find their way onto Mr. Bungle's first major label release.

1989's "OU818" was the band's final demo tape before finding themselves with a major label record contract. It was also the first to feature drummer Danny Heifetz & tenor sax player Clinton "Bär" McKinnon, and contains tracks that make up half of Bungle's first major label release. Combining songs from earlier demos with new ones, it was a little lighter on the ska, and had a heavier overall sound than the two previous releases.

Having established a strong following in Northern California, and with the hiring of vocalist Mike Patton by popular Reprise rock group Faith No More, Mr. Bungle was signed by Warner Bros. Records. Their first album, produced by John Zorn and titled "Mr. Bungle," was released August 13, 1991. There were several new songs on it, but the sound was much the same as that of "OU818," commonly described as "funk metal" by music critics. The album sold well, and Mr. Bungle toured North America successfully to support it.

A multitude of side-projects and artwork delays contributed to the the four-year gap between the self-titled album and the release of "Disco Volante" in October of 1995. It was made up almost entirely of new songs, and musical styles combining jazz, techno, tango, and death metal, to name a few, set it apart from all previous efforts. Tours (featuring guest percussionist William Winant) of North America, Europe, and a wildly popular tour of Australia followed its release. They were finally wrapped up with two shows in San Francisco in November of 1996.

Mr. Bungle's latest album, "California," was released on July 13, 1999. Theo Lengyel does not appear on it, and is not expected to be involved in any future Mr. Bungle projects (management cites "creative differences" as the reason for his departure). A supporting tour of North America began in Santa Cruz, California on July 12, however, a conflict between Mr. Bungle's record company & past distributors prevented "California" from being available overseas (other than as an import) for several months. Overseas touring was put on hold long enough to allow three consecutive North American tours in support of "California" to take place, including an opening spot at Sno-Core 2000. The band finally made it's way to Australia in March of 2000 and Europe in August & September of 2000 before taking a break from touring & recording to focus on the other things going on in its members' lives for awhile. At the same time, ideas for new Bungle songs are being shared.

And while you try to survive the latest four-year wait until a new Mr. Bungle album, you may find some of the band members' side-projects entertaining. For information on Virgil Shaw & The Killer Views (with Danny Heifetz), visit Virgil Shaw's Website. Trey Spruance's Secret Chiefs 3 has several websites devoted to it, including Trey's own WEB of MIMICRY, and SecretChiefs3.com by Corey Morton. The Selected Discography of Trevor Dunn has audio samples and contact information to help you acquire some of the many recordings featuring Mr. Dunn. Bär McKinnon and Danny Heifetz appear on the latest Barefoot Hockey Goalie album. The adventures of Mike Patton & his Fantômas cohorts are always chronicled at Caca Volante and the Ipecac Recordings website.

Pain of salvation est un groupe de métal progressif suédois dont les compositions originales associent l'émotion à une grande maîtrise technique, tant au niveau de l'instrument que du rythme ou de l'harmonie.

Fondé par le guitariste/chanteur/compositeur/auteur Daniel Gildenlöw dans les années 1990, le groupe sortira son premier album Entropia en 1997. Suivra ensuite One Hour by The Concrete Lake, un concept album sur le thème du commerce d'armes et de la destruction écologique.

Tous les albums du groupe sont dotés de textes extrêmement réfléchis, travaillés et documentés, destinés à établir un concept servant de support à une musique complexe et émotionnellement intense. Le plus grand succès du groupe se nomme The Perfect Element, Part I, et traite de la relation entre deux être marginaux.

Le dernier projet en date de Pain of Salvation s'intitulle BE et a fait l'objet de représentations scéniques accompagnées d'un ensemble de cordes et de cuivres, avant d'être enregistré sur album. Cette œuvre extrêmement aboutie se veut une réflexion sur l'existence et le rapport de l'homme envers Dieu.

Début 2006, le groupe décide de se séparer de Kristoffer Gildenlöw (bassiste et frère de Daniel), principalement à cause de la distance entre Kristoffer et le reste du groupe (ce dernier résidant en Hollande).


Membres Actuels :

Daniel Gildenlöw - Chant, guitare
Johan Hallgren - Guitare
Fredrik Hermansson - Claviers
Johan Langell - Batterie

Anciens Membres :

Kristoffer Gildenlöw - Basse (1997 - 2006)

Discographie :

Entropia (1997)
One Hour by the Concrete Lake (1998)
The Perfect Element, part I (2000)
Remedy Lane (2002)
12:5 (2004)
BE (2004)

:: Pantera ::


L’histoire en avait fait un groupe majeur des années 90. La fatalité l’inscrit à tout jamais au panthéon des artistes légendaires que seule la médiocrité insulte.
Pourtant le Pantera des années 80, souvent peu connu du public (et pour cause, les albums sont quasiment introuvables), pratique un glam-rock totalement désuet de nos jours, mais pas dépourvu d’intérêt pour les plus curieux : le talent débordant de l’inégalable Dimebag Darrell se manifeste déjà à travers des solos exceptionnels. La formation originelle est composée des frères Darrell Abbott - Diamond Darrell (guitare) et Vinnie Paul Abbott (batterie) - auxquels s’ajoutent le fidèle bassiste Rex Brown et le chanteur Terrence Lee (alias Terry Glaze). Sous cette formation le groupe enregistre Metal Magic (1983), Projects in the Jungle (1984) et I Am the Night (1985). Ce n’est qu’en 1986 que Philip Anselmo rejoint Pantera en remplacement de Terrence Lee. En 1988 sort Power Metal, premier album du line-up « officiel » et dernier de l’ère glam-rock.
Car en 1990, avec la sortie de Cowboys From Hell la machine Pantera est définitivement lancée. Foncièrement influencé par le mouvement thrash de l’époque dont la figure de proue est Anthrax, l’album peine à se démarquer, bien que certains titres font désormais partie des incontournables (Cowboys from hell, Domination, The art of shredding). En 1991, le groupe participe au mythique Monsters of Rock à Moscou et joue devant plusieurs centaines de milliers de personnes.
1992 est l’année de la consécration avec Vulgar Display Of Power, considéré comme le meilleur album du groupe. Le succès est mondial, et le single Mouth for war détrône même Enter sandman de Metallica en tête des charts américains. Plus agressif, plus rapide, Pantera forge son identité en marge de la scène actuelle et de la mode, une ligne de conduite exemplaire dont il ne démordra pas.
Mars 1994, Pantera livre Far Beyond Driven, nouvel attentat sonore qui se hisse à la première place des charts aux Etats-Unis et en Australie. Le son de Pantera devient plus lourd, plus intense. Un parcours idéal pour un groupe qui est en train d’écrire certaines des plus belles pages de l’histoire du metal. S’ensuit une tournée mondiale qui ne fait qu’asseoir son éclatante hégémonie sur le milieu du metal. La popularité du groupe est à son apogée.
Sombre période que celle qui correspond à la sortie de The Great Southern Trendkill. Les problèmes de drogue de Phil Anselmo deviennent de plus en plus préoccupants. Accroc à l’héroïne, celui-ci succombe à une overdose… l’espace de quatre minutes. Malgré cela, aucun concert ne sera annulé et le groupe assurera l’ensemble de ses tournées, notamment au Ozzfest. L’album, quant à lui, reçoit un accueil mitigé. Un album noir, très lourd, dont ressort surtout tout le malaise de Phil Anselmo à travers ses textes (suicide, autodestruction, …). Pourtant certains titres ne tarderont pas à faire l’unanimité (Suicide note pt2, Sandblasted skin, The underground in America). Face à la déferlante néo-metal, le géant Pantera, même affaibli, ne cède pas et voit sa haine pour la mode décuplée.
Cependant la flamme qui animait Pantera commence à vaciller. Malgré un convaincant album live (1997), l’ultime album Reinventing the steel (2000) déçoit et sonne le glas un peu avant l’heure. Phil Anselmo donne de plus en plus priorité à ses nombreux projets parallèles (Superjoint Ritual et Down en tête) et finalement le groupe se sépare en 2003. Dimebag Darrell et Vinnie Paul fondent de leur côté Damageplan. Reste le souvenir d’un groupe hors du commun qui a toujours su rester droit, qui a marqué de son sceau les années 1990, et qui est resté fidèle et loyal envers ses fans.
Les relations entre Phil Anselmo et Dimebag Darrell se dégradent et donnent lieu à de ridicules joutes par journaux interposés. L’espoir d’une reformation reste toujours présent dans l’esprit des fans. Mais la tragédie de Columbus (Ohio) le 9 décembre 2004 scelle à jamais le destin de Pantera. Dimebag Darrell est abattu sur scène de plusieurs balles lors d’un concert de Damageplan. L’auteur de cet acte aurait prétexté, avant de l’abattre, que Dimebag Darrell était à l’origine de la séparation de Pantera. Son frère Vinnie Paul est aussi visé mais en réchappe. L’ensemble de la communauté metal est sous le choc. Un album tribute est prévu pour honorer la mémoire de ce guitariste à l’immense talent.

MERCI ANTIKITE

En 1981, à San Fransisco se monte le groupe Faith No Man. Après de nombreux changements de line-up (notamment Courtney Love au chant), le groupe se renomme Faith No More, essentiellement autour de Chuck Mosley (chant) et Jim Martin (guitare). Après un EP en 84, le groupe sort We Care A Lot en 85, suivi en 87 par Introduce Yourself. Le groupe reçoit un accueil positif de la part du public, alors que la vague funk métal est à son sommet, avec des groupes comme Fishbone. Mais le groupe doit se séparer de Mosley dont l'alcoolisme et la toxicomanie prennent tant d'ampleur qu'il en vient à s'endormir sur scène.
Le groupe intègre donc un nouveau chanteur issu d'un groupe de death métal inconnu, Mr Bungle. Ce chanteur, c'est Mike Patton, et il va changer radicalement l'avenir du groupe et de la musique des 90's. La nouvelle formation sort donc en 1989 The Real Thing, composé en deux semaines. Le mélange funk/métal/rap est si efficace que l'album est immédiatement propulsé en haut des charts. Mais les albums suivants, notamment Angel Dust, King For A Day, Fool For A Lifetime et finalement Album Of The Year bien qu'excellents, ne sont pas aussi bien accueillis par le public et sont jugés trop expérimentaux.
Le groupe se sépare en 1998, et Mike Patton entame son incroyable liste de projets solo.


Site Officiel :: www.fnm.com

En 1981, à San Fransisco se monte le groupe Faith No Man. Après de nombreux changements de line-up (notamment Courtney Love au chant), le groupe se renomme Faith No More, essentiellement autour de Chuck Mosley (chant) et Jim Martin (guitare). Après un EP en 84, le groupe sort We Care A Lot en 85, suivi en 87 par Introduce Yourself. Le groupe reçoit un accueil positif de la part du public, alors que la vague funk métal est à son sommet, avec des groupes comme Fishbone. Mais le groupe doit se séparer de Mosley dont l'alcoolisme et la toxicomanie prennent tant d'ampleur qu'il en vient à s'endormir sur scène.
Le groupe intègre donc un nouveau chanteur issu d'un groupe de death métal inconnu, Mr Bungle. Ce chanteur, c'est Mike Patton, et il va changer radicalement l'avenir du groupe et de la musique des 90's. La nouvelle formation sort donc en 1989 The Real Thing, composé en deux semaines. Le mélange funk/métal/rap est si efficace que l'album est immédiatement propulsé en haut des charts. Mais les albums suivants, notamment Angel Dust, King For A Day, Fool For A Lifetime et finalement Album Of The Year bien qu'excellents, ne sont pas aussi bien accueillis par le public et sont jugés trop expérimentaux.
Le groupe se sépare en 1998, et Mike Patton entame son incroyable liste de projets solo.


Site Officiel :: www.fnm.com


Quatrième album du groupe, sorti en 1992, Angel Dust est considéré par beaucoup comme le meilleur album du quintet de Frisco. C'est en effet la première fois que le groupe part dans autant de directions différentes, tout en créant un album cohérent. C'est également la première fois que Patton participe à la création d'un album du groupe. Il a écrit toutes les paroles, sur des compos du groupe.


Les paroles sont justement assez souvent dérangeantes et ambigües. Les rythmes sont lents et oppressants, et on sent moins le côté funk qui caractérisait Faith No More jusque là, si ce n'est par le son caractéristique du slap de l'excellent Billy Gould. Angel Dust donne aussi à Patton l'occasion d'expérimenter avec sa voix. Il en ressort la voix qu'il gardera par la suite, moins nasillarde, plus douce et grave. Capable de passer de la colère la plus extrème et rapide à une voix douce et calme (sur Malpractice par exemple), Patton est clairement l'élément qui sort Faith No More du lot.


Malpractice, justement , est un des morceaux les plus intéressants de cet album. Sur fond de batterie lourde mêlée à des sons synthétiques rappellant les boîtes à musique, Patton alterne les phases de chant extrème rappellant le son death metal du Mr Bungle des débuts avec des phases de chant aérien et clair. On peut d'ailleurs voir dans la construction du chant sur ce morceau les bases du chant néo metal. Sur Be Aggressive, au refrain pillé par Manson pour son mObscene, les paroles de Patton évoquent à la fois la frustration sexuelle et/ou la domination du monde.

La seconde partie de l'album est plus funk, avec des morceaux comme Crack Hitler, A Small Victory ou Everything's Ruined où la voix de Patton, encore une fois, est impressionante.


Cet album est incontournable dans la discographie de Faith No More. Mike Patton est un des chanteurs les plus doués des années '90, si ce n'est LE meilleur chanteur. Sa voix extensible à l'infini lui permet d'expérimenter de nouvelles variantes à chaque morceau. D'autre part, il fallait énormément de courage, après avoir connu les heures de gloire qui ont suivi la sortie de The Real Thing pour composer un album aussi éloigné du mainstream.


Quatrième album du groupe, sorti en 1992, Angel Dust est considéré par beaucoup comme le meilleur album du quintet de Frisco. C'est en effet la première fois que le groupe part dans autant de directions différentes, tout en créant un album cohérent. C'est également la première fois que Patton participe à la création d'un album du groupe. Il a écrit toutes les paroles, sur des compos du groupe.


Les paroles sont justement assez souvent dérangeantes et ambigües. Les rythmes sont lents et oppressants, et on sent moins le côté funk qui caractérisait Faith No More jusque là, si ce n'est par le son caractéristique du slap de l'excellent Billy Gould. Angel Dust donne aussi à Patton l'occasion d'expérimenter avec sa voix. Il en ressort la voix qu'il gardera par la suite, moins nasillarde, plus douce et grave. Capable de passer de la colère la plus extrème et rapide à une voix douce et calme (sur Malpractice par exemple), Patton est clairement l'élément qui sort Faith No More du lot.


Malpractice, justement , est un des morceaux les plus intéressants de cet album. Sur fond de batterie lourde mêlée à des sons synthétiques rappellant les boîtes à musique, Patton alterne les phases de chant extrème rappellant le son death metal du Mr Bungle des débuts avec des phases de chant aérien et clair. On peut d'ailleurs voir dans la construction du chant sur ce morceau les bases du chant néo metal. Sur Be Aggressive, au refrain pillé par Manson pour son mObscene, les paroles de Patton évoquent à la fois la frustration sexuelle et/ou la domination du monde.

La seconde partie de l'album est plus funk, avec des morceaux comme Crack Hitler, A Small Victory ou Everything's Ruined où la voix de Patton, encore une fois, est impressionante.

Bon allez je me lance!!! Petite bio rapide du groupe THIRTY SECONDS TO MARS

Ce qui était d'abord une histoire de famille entre les frères Leto deviendra en 1998 un vrai groupe quand le label Virgin leur signe un contrat. Mais il aura fallut attendre 2002 pour que le premier album éponyme sorte enfin dans les bacs. Thirty Seconds To Mars est produit par Bob Ezrin, producteur entre autre de The Wall des Pink Floyd. L'album reçoit un très bon accueil des critiques et des fans.
Jared Leto chante, compose, écrit et joue de la guitare pendant que son frère Shannon joue de la batterie.
Quand le premier album sort, le groupe se compose des Leto, du bassiste Matt Wachter, et des guitaristes Solon Bixler et Kevin Drake, mais suite à un désaccord d'ordre divers, les deux guitaristes quitteront le groupe et seront remplacés par Tomo Milicevic en 2003, alors que le groupe sort son second single. Le clip de Edge of the Earth est d'ailleurs une sorte d'hommage à leurs fans et à la relation qui unit le groupe aux Echelons.


Petite pause explication! Le groupe a créé un Univers chargé de symboles dont l'explication parfois lui echappe à lui-même!
Les principaux sont:

[Echelon]: les fans, autrement appellés la Mars Army. Il existe plusieurs Division au sein de l'Echelon, la plupart du temps correspondant à un pays. Le groupe utilise beaucoup le langage militaire, et confie à ses Echelons des missions, la plupart du temps pour faire connaitre le groupe.

Provehito in Altum: se jeter dans la profondeur, dans l'inconnu; accéder au sommet, à l'apogée.

La flèche représente la phrase Provehito In Altum.

Les glyphs symbolisent le groupe.
Le premier représente "30", un trois entrelacés
représente les mains de l'horloge pointant dans le sens inverse des aiguilles, "secondes"
représente un deux (two...to) en lettre romaines (entre les barres)
représente "Mars" et ses deux satellites Phobos et Diemos

Le Phoenix, oiseau mythique qui renait de ses centres.



Le groupe entame alors tournée sur tournée (mais jamais en tant que principal groupe) et rencontre un joli succès lui permettant de faire quelques passages télévisés.

En 2005, le groupe voyage autour du monde pour la conception de leur second album. Cette fois-ci, les 4 membres participent à la création de l'album.
Le premier single Attack sort en mars 2005 accompagné d'un beau clip, et le groupe annonce la sortie prochain de son album lors de ses passages télé. Mais cette sortie est repoussée mainte fois, notamment à cause du piratage internet dont il a été victime.
A Beautiful Lie sortira finalement en aout 2005, avec deux titres inédits: une reprise de Hunter (Bjork) et Battle of One (prévue initialement pour être la chanson phare et le titre de l'album).
Puis une nouvelle tournée commence, cette fois avec des groupes comme Audioslave, The Used ou encore Chevelle.

En février 2006, l'un des évênement majeur du groupe arrive enfin: leur première tournée en tête d'affiche, Forever Night, Never Day, affichant salle comble chaque soir.

Le second extrait de l'album, The Kill sort en avril 2006, et le clip l'illustrant est un bel hommage au film de Kubrick, The Shining.


Site officiel


Welcome to the Universe

Killing Joke est un groupe rock post-punk rock crée en 1978 dont le nom vient d'un sketch des Monty Python. Jeremy "Jaz" Coleman le chanteur, leader du groupe, joue des claviers et synthés, compose et dirige cordes et orchestres à l'occasion. Le guitariste Geordie Walker et Coleman sont les membres constants du groupe. Ils sont reconnus comme un des groupe les plus importants de la periode post-punk/new wave de la fin des années 70 et du début des années 80. Ils ont fortemment influencé des groupes comme Nirvana, Metallica, Ministry, Soundgarden et Korn, qui ont tous mentionné etre redevable à 'The Joke'.

Le batteur originel "Big Paul" Ferguson a decrit un jour leur musique comme "the sound of the earth vomiting" (le son de la terre qui crache). Leur son de guitare et de basse joue sur la distorsion, avec des sons de batterie tribaux, puissants, funky et dansants et des synthés typiques de la New Wave, le chant va parfois jusqu'au hurlement tribal. Jaz Coleman est passé par une période mystique et d'expérimentation en tant que compositeur classique dans les années 1990 avant de refonder le groupe au début des années 2000.

Coleman a étudié plusieurs cultures et a une passion pour le folklore tchèque et la musique maori. Une de ses pièces Māori pieces est "Second Symphony for Māori Voice and Orchestra".

Avec Anne Dudley de Art of Noise en 1990 Coleman co-ecrit "Songs From the Victorious City" (Réference au Caire, et à l'Egypte). En 1999 il produit et arrange un album des Doors pour orchestre, joué par des musiciens classiques comme Nigel Kennedy et le "Prague Symphony Orchestra", nommé "Riders on the Storm : The Doors Concerto CD" (2000). Il a travaillé avec le New Zealand Symphony Orchestra, le Auckland Philharmonic, et a composé en résidence avec le Prague Symphony Orchestra.

En 2002 Coleman a joué dans un film tchèque de Petr Zelenka Rok (Year of the Devil).

Il soutient le concept des éco-villages et s'est investi pour en créer un.

mon chéri,

en mettant autant de biographie tu essayes de leur faire découvrir de nouveaux groupes c'est bien... tu en as marre de prendre des coups à chaque fois que tu me fais découvrir quelque chose et que j'aime ?

Ma Puce,

J'essaie de diversifier les goûts de chacuns ici; parcequ'en dehors de 30 STM, de U2 & de Bliss, c 'ach'ment pôvre

Nevermore est un groupe de metal créé en 1992 à Seattle sur les ruines du groupes Sanctuary. Nevermore fait office d'ovni dans la scène metal actuelle puisque regroupant et mélangeant énormément d'influences.

Histoire :

Le groupe se forme sous l'impulsion de Warrel Dane et de Jim Sheppard qui avait préalablement collaboré dans le groupe Sanctuary cité plus haut. Warrel Dane officiant au chant et Jim Sheppard a la basse, ils trouvent Jeff Loomis a la guitare et Van Williams a la batterie, le groupe est maintenant au complet et sort sa première démo au nom éponyme en 1992.

Ils se font repérer par le Label Century Media, conquis par la voix très spéciale de Warrel Dane et le jeu de guitare de Jeff Loomis (qui a suivi une formation classique)

Le groupe entre donc en studio en 1994 pour enregistrer un premier album éponyme avec Neil Kernon qui avait déjà produit des albums de Queensryche.

L'album sort donc en 1995 et on peut voir que certains titres de la démo sont passés à la trappe tels que « The Dreaming Mind »,"The World Unborn, « The System is Failling », "Utopia" et « Chances Three ». On remarque aussi l'aparition de chansons telles que « the Sanity Assassin », « What tomorrow Knows », « Sea of Possibilities » et « Timothy Leary ».

S'ensuit une tournée qui ne restera pas dans les annales puisque le groupe passe quasiment inaperçu, ne faisant que des premières parties d'autres groupes plus important.

En 1996 le groupe s'enferme à nouveau en studio pour enregistrer l'album Politics of ecstasy. Un album dantesque très apprécié par les journalistes qui comporte des chansons excellentes telles que « The Seven Tongues of God », « The politics of Esctasy », « The Tianmen Man » et la sublimissime « The Learning », c'est un tournant pour le groupe car ils se sont servis de l'expérience acquise au cours des années précédente pour sortir un album plein de maturité.

Les choses sérieuses commencent en 1999 avec la sortie de Dreaming Neon Black, troisième album du groupe qui raconte une histoire très personnelle puisque c'est ce qui est arrivé a Warrel Dane. Un être aimé qui meurt et une vie qui s'écroule finissant par le suicide du personnage principal.

Vient ensuite en 2000 le plus gros succès du groupe a ce jour. Produit par Andy Sneap, Dead Heart contient des compositions puissantes et bien construites, ce qui va faire découvrir le groupe une majorité du public (notamment européen) avec des prestations mémorables au Wacken avec la reprise de Metallica que beaucoup de journalistes on retenu. L'album contient également une surprenante reprise de « The sound of Silence » composée par Simon and Garfunkel.

Après deux ans de tournées intensives en compagnie d'une multitude de groupes (tels que Dimmu Borgir) en 2003 le groupe entre en studio pour enregistrer le très attendu successeur de Dead heart, produit par Kelly Gray (ex-Queensryche). Mais l'album Enemies of Reality déçoit de nombreuses personnes y compris le groupe puisque le budget attribué par century Media n'étant pas assez conséquent le son s'en voit en pâtir d'une production très faible.

En 2005 le groupe resigne avec Century Media qui remixe totalement l'album Enemies of Reality avec Andy Sneap. Le groupe actuellement en studio pour donner naissance a un nouveau album dénommé « the Godless Endeavour » enregistré et mixé par Andy Sneap qui avait déjà fait office pour l'album « Dead Heart in a Dead World ».

2003

Qu’est-ce qu’un rebelle sinon une personne encline à résister à l’autorité ? Qu’est-ce que la rébellion sinon la défiance ouverte à l’égard de cette autorité ?


Muni d’un nom de groupe ayant pour signification attaquant de pointe, opposant principal ou encore ennemi numéro un, l’évidente philosophie de l’insurrection proposée par ARCH ENEMY recèle exactement ce qui les propulse hors des foules de la convention, et en première ligne d’un mouvement qui ose se défier des limitations imposées à la créativité musicale.


Tout au long de sa carrière, Michael Amott, ancien guitariste de Carcass et membre fondateur d’ARCH ENEMY, ne s’est jamais senti concerné par la conformité. En 1996, la quête qu’il menait afin de faire fusionner mélodie et agression le mena à collaborer avec son frère Christopher Amott, le batteur Daniel Erlandsson et le vocaliste Johan Liiva. Sans même avoir fait sorti de démo, ils firent équipe avec le célèbre producteur Fredrik Nordström et livrèrent la première réalisation d’ARCH ENEMY, « Black Earth » - un album qui est encore aujourd’hui acclamé en tant que pierre angulaire du death metal Suédois. Michael Amott et Fredrik Nordström co-produisirent « Stigmata » en 1998, qui par son exécution technique emmena le groupe vers de nouvelles cimes. Accueillant en ses rangs le bassiste de Mercyful Fate, Sharlee d’Angelo, à l’occasion de l’enregistrement d’un « Burning Bridges » à nouveau co-produit par Amott et Nordström, l’indéniable pedigree musical d’ARCH ENEMY leur permit de livrer un album aussi complexe que dévastateur. En dépit d’une tournée Nord-Américaine avec Nevermore, de tournées européennes avec In Flames, Children of Bodom et Dark Tranquillity, de trois tournées japonaises, de représentations au Dynamo Festival, d’une apparition en co-tête d’affiche à Santiago du Chili avec Hammerfall, et malgré le fait qu’ils aient partagé l’affiche avec Cradle of Filth à Londres, Michael Amott a senti qu’il y avait toujours davantage de territoire à couvrir, comme tout jusqu’au-boutiste serait porté à le croire.


Suite à une tournure totalement inattendue que prirent les événements, Angela Gossow – une vocaliste parfaitement inconnue originaire d’Allemagne – remplaça Johan Liiva en 2001 et livra une première performance fracassante sur l’album « Wages of Sin » (produit par Fredrik Nordström et mixé par Andy Sneap), marquant de son empreinte la première fois qu’une formation d’un tel calibre et faisant preuve d’une telle férocité se voyait emmenée par une femme. Lors de ses débuts sur scène à Los Angeles en Mars 2002, la réaction que reçut Gossow de la part d’un public acquis à sa cause fut d’ailleurs incroyablement bonne.



L’ album fut bercé d’éloges universels et sans fin par de nombreux quotidiens, le groupe s’affichant en couverture de magazines nationaux de par le monde, et « Wages of Sin » annonçant fièrement pour ambition de figurer au palmarès des référendums de fin d’année, tandis que l’underground metal faisait montre d’une allégeance respectueuse à l’égard du nouveau line-up. Metal Maniacs a salué la réalisation en tant qu’ « album éclectique, complet et sans répit, permettant de divertir jusqu’à ceux dotés de la plus faible durée d’attention qui soit vis-à-vis de la musique . » « Brave Words & Bloody Knuckles insistèrent sur le fait que l’album « requiert une double écoute, puisque la performance gutturale d’Angela vous colle littéralement des aiguilles dans les tympans, tandis que vos yeux ne peuvent en croire l’origine. »



Metal Edge déclara qu’Angela Gossow était « l’un des talents les plus prometteurs de cette année ». La presse alternative Nord-Américaine a rapidement identifié ARCH ENEMY comme l’un des cinq groupes donnant l’exemple du « son des choses à venir » en 2002. Cette déclaration s’avérerait bientôt prophétique durant les représentations de la formation au Beast Feast japonais, au Metalfest de Milwaukee, au Metal & Hardcore Festival de Nouvelle-Angleterre, au cours de la tournée Nord-Américaine en ouverture de Nile, de leur propre tournée Nord-Américaine en tête d’affiche, et de six dates qui firent salle comble au Japon.


Encouragés par leur succès et leur association avec l’extraordinaire producteur anglais Andy Sneap pour “Anthems of Rebellion”, ARCH ENEMY découvre cependant une nouvelle strate de leur impressionnante profondeur musicale, les talents évidents d’énonciation dont fait preuve Gossow, qui atteignent véritablement le niveau des accomplissements de Chuck Schuldiner de Death et Jeff Walker de Carcass. Complétée par le travail du tandem de guitares des frères Amott, véritable marque de fabrique de la formation, et la section rythmique sans défaut D’Angelo/Erlandsson qui a permis au groupe de gagner une reconnaissance des plus fermes, « Tear Down The Walls/Silent Wars » est l’articulation même de l’éveil, un authentique mandat exhortant au changement ; « We Will Rise » est un appel à la conscience, une déclaration de guerre intentée à toute la médiocrité que la société peut nous inoculer de force ; « Leader of the Rats » est un rappel du cynisme plus que nécessaire permettant de conserver en perspective la vie quotidienne ; et finalement, « Despicable Heroes » est une critique acerbe de l’hypocrisie dont font preuve ceux qui, en tant que meneurs, abusent de la loyauté des personnes qui les suivent.


Par une proclamation indubitablement claire de leurs intentions, ARCH ENEMY ont vaillamment choisi le chemin du bouleversement des conventions établies pour le bien-être du progrès du genre musical qu’est le death metal mélodique, et ce en dépit de la critique. Ce que vous entendrez sur « Anthems of Rebellion » est la force d’une conviction jusqu’au-boutiste, une conduite défiante, un pacte singulier de loyauté signé au sein d’un clan de musiciens unis par le sang, et qui ne s’arrêteront sous aucun prétexte, jusqu’à ce que le rebelle qui sommeille en tout individu, ainsi que l’esprit de rébellion qui l’anime, s’éveillent enfin en chacun de nous.


2001


Le groupe suédois Arch Enemy revient avec son nouvel album mélodique et brutal death, du nom de « Wages of Sin ».



Pour la 1ère fois dans l\'histoire de Arch Ennemy, groupe de musique extrême, l\'ancien chanteur Joha Liiva a été remplacer pas une femme, du nom de Angela Gossow.

Son extraordinaire voix grave et ses cries agressifs prennent toute leur ampleur sur le nouvel album >.

Le groupe avec ses 3 précèdent albums studio « black Earth », « Stigmata » et « Burning Bridges » a créé un énorme impact sur la scène de la musique extrême des années 90 avec des ventes raisonnables dans le monde entier, beaucoup de concerts et d’articles de presse.

Arch Enemy est un exemple de finesse pour un groupe de métal, avec une possession et une pure agressivité, ainsi qu\'une approche d’écriture technique.

Avec « Wages Of Sin » Arch Enemy sort du monde de la domination avec comme line up Michael Amott et son frère Christopher à la guitare, Angela Gossow au chant, à la batterie Daniel Erlandsson et enfin à la basse Sharlee D’Angelo.

Pour résumer, Arch Enemy est l’accomplissement d’un métal classique avec du trash et une pointe de death metal .

Pour la vérité, quand le groupe réalise « Black Earth » en 1996, leur début en Europe a montré des rythmes mélodiques et des rythmes progressifs, avec un terrifiant duel de guitare harmonique et de force complété par un chant grave.

Produit par Frederik Nordstorm (At The Gates, Hammerfall) « Black Earth » a complètement bouleversé le monde de métal et a laissé ces supporters stupéfiés et désireux d\'en avoir plus.

En 1997 le groupe entre en studio avec de nouveau le producteur Frederik Nordstrom pour enregistrer « Stigmata », un contenant plus mûre au point de vue de l\'écriture mais avec un style de production cru et primitif, \"Stigmata\" était un rapport d\'invitation pour les supporters de métal de toute les sortes.

Le 3ème Album studio d’Arch Enemy « Burning Bridges » est un autre exemple du talent incontrôlable en écriture et vision, avec beaucoup d’élément de Death Metal, trash et progressif métal et en ajoutant un incroyable sens de la mélodie.

Après de nombreuses années, le groupe devient un grand et populaire groupe de musique extrême au japon, cette reconnaissance a été finaliser par l’enregistrement d’un album live « Burning Japan » pour leur 1ère tournée au japon en 1999 et réaliser en 2000 (Seulement pour le japon).

En automne 2000 Arch Enemy se sépare de son chanteur originel Liiva, ayant senti que le nouvel album « Wages Of Sin » était demandé plus agressif, plus intense au niveau du chant, c’est pour ça que Angela Grossow, allemande, rejoignis le groupe, une déesse du métal avec une force demoniaque et un hurlement puissant.

Pour « Wages Of Sin » le groupe retourne encore dans le studio familiale, le studio Fredman a Gothenburg, suède.

Après cette période, le mixe final de l’album a été fait en Angleterre par le notable producteur Andy Sneap qui a fait du très bon travail avec Testament, Nervermore, Stuck Mojo.

Andy Sneap rajouta un côté moderne à la qualité musicale de Arch Enemy et créa avec « Wages Of Sin » le plus dur et le plus mélodique des albums de Arch Enemy à ce jour.

Les chansons comme « Enemy Within », Burning Angel » et le vicieux « Ravenous » sont les portraits du groupe.

On peut dire que les chansons de « Wages Of Sin » sont marquantes pour le monde du métal.

Ce nouvel album contient un dur travail de musicien, avec des riffs puissant, des solos furieux, des mélodie frappante, des harmonie, et une émotion agressive dans le chant et l’intelligence des paroles.


Cette Album Sortie en 1er au japon a reçu les acclamations du public nippon après 5 dates dans des salles combles et une multitude de prix dans le célèbre magazine de métal Burnn !!!

Arch Enemy propose a ces fans Européen et Américain, qu’il n\'ont pas oublier, pour l’Europe une tournée en Angleterre et ensuite une mini tournée des festival, enfin pour finir l’été 2002, une tournée US en 1er partie de NILE.


L’aventure continue puisqu’ils ont decidé, suite à leur tournée avec Nile, de repartir pour une tournée US et Canada en tête d’affiche et d’enchaîner avec des dates européenes, puis de repartir pour le Beast Festival au Japon ou joue entre autre Slayer, Motorhead et bien d’autre groupes...

Ministry est un groupe de musique industrielle (plus particulièrement de Metal industriel) américain fondé par Al Jourgensen en 1981 à Chicago. Figure de proue du mouvement rock industriel aux États-Unis, Ministry a influencé largement des formations subséquentes comme Nine Inch Nails, White Zombie, Marilyn Manson ou encore Rammstein. Le respecté magazine Alternative Press a déjà qualifié Jourgensen de grand-père de l'industriel.

Sommaire :

1 Pré-Ministry
2 Les débuts
3 La renommée
4 Le sommet et la chute
5 L'après-Warner
6 Discographie
7 Les projets

1) Pré-Ministry :

Né à Cuba en 1958, Allen Jourgensen (alias Alain, Al) grandit à Denver au Colorado mais déménage à Chicago en Illinois après ses études universitaires. En 1979, Jourgensen rejoint le groupe glam-rock Special Affect (avec entre autres le futur chanteur de My Life with The Thrill Kill Kult, Groovie Mann) mais quitte la formation l'année suivante. En 1981, il forme Ministry après s'être lié d'amitié avec les propriétaires de la boutique de disques Wax Trax, intéressés à fonder un label adjacent au magasin.

2) Les débuts :

Après un premier simple intitulé Cold Life qui paraît sur le tout nouveau (mais bientôt légendaire) label Wax Trax Records, Ministry signe sur Arista et sort un premier album intitulé With Sympathy (Work For Love en Europe) en 1983. Voulant s'éloigner de l'étiquette "électro-pop" de ce premier opus, Jourgensen retourne rapidement chez Wax Trax pour "retravailler" le son de Ministry. La tournée de 1984 avec les pionniers belges de l'électronique Front 242 a manifestement influencé Jourgensen qui prend une direction plus agressive avec des chansons comme Everyday is Halloween.

En 1985, après avoir mis sur pied son fameux projet des Revolting Cocks, Jourgensen signe sur le major Sire/Warner et produit le transitif Twitch l'année suivante avec l'aide d'Adrian Sherwood et Keith Leblanc. L'émergence triomphante de Ministry survient en 1988 avec la parution de l'album The Land of Rape and Honey, considéré par les spécialistes comme "l'année-zéro" de l'ère du rock industriel. Jourgensen mélange les guitares abrasives avec des échantillonnages provenant du cinéma culte sur un arrière plan de rythmes militaires et de hurlements. L'album défini un genre nouveau, unissant la pensée DIY (Do It Yourself) du punk rock aux technologies électroniques en pleine évolution. C'est également durant cette période que le bassiste Paul Barker (ex-Blackouts), le vocaliste Chris Connelly (ex-Fini-Tribe) et le batteur Bill Rieflin (ex-Blackouts) se joignent à Ministry.

3) La renommée :

Jourgensen, un héroïnomane connu, a longtemps fait partie du cercle notoire de "l'élite junkie" de Chicago avec les William S. Burroughs, Timothy Leary, River Phoenix et autres. Dans les publications spécialisées, ses escapades folles ont fait sa renommée alors que les histoires abracadabrantes à son sujet se multipliaient. Un jour il entre avec son chopper dans le studio pour capter le son du moteur (Stainless Steel Providers) et une autre fois il enregistre un comparse qui s'étouffe dans ses vomissures durant une surdose (Breathe). Sans se soucier d'avoir mauvaise réputation, Jourgensen se compare lui-même à un "rollerball" et entretient vigoureusement son étiquette de mauvais garçon du rock alternatif.

En 1989 il se lie d'amitié avec le chanteur de Skinny Puppy, Nivek Ogre, un autre copain d'aiguille. Leur collaboration permet à Jourgensen de co-produire l'album Rabies de Skinny Puppy alors que Ogre participe aux enregistrements de Beers, Steers and Queers des Revolting Cocks et du mémorable The Mind is a Terrible Thing to Taste. En décembre, Ministry entreprend la tournée nord-américaine qui les fera entrer dans la légende. Jourgensen réinvente la notion de "super-groupe" en plaçant sur scène deux batteurs, un bassiste, trois guitaristes et une rotation bien garnie de collaborateurs aux claviers et aux microphones dont l'ex-Dead Kennedys Jello Biafra. Une clotûre en fer encercle la scène (semblable à une cage de lutte professionnelle) alors qu'inévitablement les spectateurs y grimpent pour se lancer dans la foule. Avec en arrière-plan un écran géant qui diffuse des "snuff films" et des images de propagande, Jourgensen et sa bande offrent une performance "choc" rarement vue pour l'époque. Le concert de Chicago de cette tournée fut capté pour la vidéo et l'album en concert In Case You Didn't Feel Like Showing Up Live parut en 1991.

4) Le sommet et la chute :

En 1991, Connelly et Ogre ne sont plus dans l'entourage de Jourgensen mais Barker et Rieflin sont toujours là. Ministry recrute alors Gibby Haynes des Butthole Surfers et Michael Balch de Frontline Assembly pour l'enregistrement de ce qui sera leur plus grand succès : Jesus Built My Hotrod. Inspiré du film de John Huston, Le Malin (Wise Blood), l'extrait est le meilleur vendeur de Warner cette année-là et le vidéo-clip est un "hit" sur MTV. L'album-concept Psalm 69 (1992) est rapidement certifié platine avec les fameux singles N.W.O. et Just One Fix. La popularité du groupe atteint des sommets et Ministry se retrouve en tête d'affiche de Lollapalooza en 1992.

Après la gloire, la descente aux enfers débute en 1993 alors que Jourgensen et Barker déménagent au Texas pour monter un studio et établir les bases d'un nouvel album. Plusieurs problèmes techniques minent le studio (qui est situé dans un ancien bordel) et l'endroit fait l'objet d'une descente de police en 1995, menant à l'arrestation de Jourgensen pour possession de drogues. Le duo retourne à Chicago pour compléter Filth Pig qui paraît enfin en 1996. L'album possède un son rock-métal plus conventionnel et est reçu froidement par les fans et les critiques.

En 1999 un collaborateur proche de Ministry, William Tucker, décède subitement et fait prendre conscience à Jourgensen de sa propre vulnérabilité. Il entreprend, d'une certaine façon, sa cure de désintox avec la parution de Dark Side of the Spoon (un nom très approprié). L'album passe presque totalement inaperçu malgré un extrait sur la trame sonore du film The Matrix et une nomination pour un Grammy (Bad Blood). Jourgensen se prépare à dissoudre le groupe en 2000 quand soudainement il reçoit un appel du cinéaste Steven Spielberg. Suivant les désirs du concepteur de A.I. Intelligence artificielle, le défunt Stanley Kubrick, Spielberg souhaite que Ministry joue dans le film. Le groupe offrira une étonnante performance avec What About Us? durant le "Flesh Fair", un derby de démolition de robots. What About Us parait sur le Greatest Fits de 2001, une compilation qui met fin au contrat de Ministry avec Warner.

5) L'après-Warner :

Après des rumeurs faisant état de la signature de Ministry sur le label de Mike Patton, Ipecac, Jourgensen signe finalement sur Sanctuary Records en 2002. L'étiquette publie immédiatement le DVD et l'album live de la tournée SphincTour de 1996. Ravivé par sa participation à A.I. et son nouveau contrat de disque, Jourgensen retourne au Texas avec Barker pour enregistrer Animositisomina, un retour apprécié vers le "bon vieux son" de Ministry. En 2004, le partenaire de Jourgensen depuis 18 ans, Paul Barker, annonce son départ. Ceci ne ralentit pas Jourgensen qui est motivé plus que jamais à poursuivre son combat principalement en raison de la présence des Républicains à Washington.

Jourgensen s'implique de plusieurs façons contre la Guerre en Irak en faisant partie d'organismes comme Punkvoter.com et en participant à la compilation Rock Against Bush. En juin 2004, Jourgensen présente sa plus récente version du "New World Order" avec la sortie de l'album Houses of the Molé. Toutes les chansons du disque commencent par la lettre W, une attaque sans subtilité envers George W. Bush. 2005 marque le 25e anniversaire du groupe et une anthologie de matériel "redux" est disponible sous le nom de Rantology. Le nouvel extrait de Rantology, The Great Satan est en nomination pour un Grammy en 2006. Jourgensen forme sa propre étiquette de disque 13th Planet Records au printemps 2006 avec la sortie des nouveaux albums de Ministry (Rio Grande Blood) et des Revolting Cocks (Cocked and Loaded). Jourgensen vit maintenant à El Paso au Texas.

6) Discographie :

With Sympathy (1983) (Work for Love)
Twelve Inch Singles (1985)
Twitch (1986)
The Land of Rape and Honey (1988)
The Mind is a Terrible Thing to Taste (1989)
In Case You Didn't Feel Like Showing Up (live) (1991)
Psalm 69: The Way to Succeed and the Way to Suck Eggs (1992)
Filth Pig (1996)
Dark Side of the Spoon (1999)
Greatest Fits (2001)
Sphinctour (2002)
Animositisomina (2003)
Houses of the Molé (2004)
Early Trax (2004)
Side Trax (2004)
Rantology (2005)
Rio Grande Blood (2006)



1000 Homo DJs

Fondé en 1987 par Al Jourgensen (alias Buck Satan) et Paul Barker (alias Officer Aggro). Le matériel de 1000 Homo DJs provient principalement des pièces inutilisées des albums de Ministry The Land of Rape and Honey et The Mind is a Terrible Thing to Taste. La légende dit qu'un jour Jourgensen a entendu une mauvaise version remixée d'une chanson des Revolting Cocks et que le patron de Wax Trax Records, Jim Nash lui aurait répondu que seulement un millier de DJ homosexuels allait entendre ce disque. Venant de la part de Nash (lui même un homosexuel), Jourgensen a bien rigolé et retenu le nom. En 1990, Trent Reznor (alias Ike Krull) de Nine Inch Nails a enregistré le classique Supernaut de Black Sabbath avec Jourgensen pour ce projet. Des menaces de poursuites judiciaires de la part de TVT Records empêcha Jourgensen d'utiliser la voix de Reznor. À un certain moment Jello Biafra (alias Count Ringworm) a également participé à 1000 Homo DJs.

Acid Horse

En 1989, deux membres de Cabaret Voltaire, Richard H. Kirk (Harold Sandoz) et Stephen Mallinder (Tennessee King) collaborent avec Al Jourgensen pour la chanson No Name, No Slogan.

Lard

Projet de Jello Biafra avec Al Jourgensen et Paul Barker. Après la mort du batteur Jeff Ward (également un collaborateur de Nine Inch Nails), William Rieflin l'a remplacé à la batterie. Un premier EP intitulé The Power of Lard sort en 1989 suivi par l'album The Last Temptation of Reid (1990) sur l'étiquette Alternative Tentacles de Biafra. L'album est très bien reçu par les critiques et la chanson Forkboy s'est même retrouvée sur la bande sonore du film Natural Born Killers produite par Trent Reznor. Il faudra attendre à 1997 pour une suite au projet Lard avec Pure Chewing Satisfaction alors qu'en 2000 un autre EP paraît sous le nom de 70's Rock Must Die.

Lead Into Gold

Concept solo du bassiste de Ministry, Paul Barker. Au fil des ans, quatre disques ont été produits sous ce nom: Idiot (1989), Chicks-And-Speed: Futurism (1990), Age of Reason (1990), Low And Slow (1991).

Pailhead

Collaboration entre Al Jourgensen et Ian MacKaye de Fugazi et Minor Threat. La chanson I Will Refuse fut d'abord produite par les Revolting Cocks sous le titre Stick, avec Chris Connelly au micro en novembre 1986. En 1988, la chanson est retravaillée avec MacKaye et parait sur l'étiquette Wax Trax avec No Bunny sur le côté B. Un EP de six pistes (Trait) incluant le populaire Man Should Surrender sort quelques mois plus tard.


Programming The Psychodrill (PTP)

Projet initié pour la composition d'une chanson pour le film Robocop en 1987. C'est lors de l'enregistrement de Show Me Your Spine que Jourgensen rencontra pour la première fois Nivek Ogre de Skinny Puppy. Le nom du projet provient d'un collage de J.G. Ballard. En 1990, le simple Rubber Glove Seduction paraît sur Wax Trax Records.

Revolting Cocks

Le plus important projet d'Al Jourgensen. Peut être considéré comme du Ministry mélangé avec de la musique country. Fut d'abord formé par Jourgensen avec quelques membres de Front 242 en 1985. Au cours des années, plusieurs musiciens ont été attachés aux Revolting Cocks dont Trent Reznor, Nivek Ogre et divers membres de KMFDM, Killing Joke, Prong, Jesus Lizard et Frontline Assembly. L'idée de former un super-groupe industriel (menant au Pigface de Martin Atkins) provient des Revolting Cocks. Les RevCo possèdent trois albums - Big Sexy Land (1986), Beers Steers and Queers (1990) et Linger Fickin' Good (1993) - mais ils se sont surtout fait connaître avec leurs reprises d'Olivia Newton-John (Let's Get Physical) et de Rod Stewart (Do Ya Think I'm Sexy?). En 2006, un nouvel album parait sur 13th Planet Records, Cocked and Loaded, avec Jello Biafra et Gibby Haynes parmi les invités.

L-R
Nattes » Mappe » Björkman - guitares »
Lars « Lasse « Johansson - mener la guitare »
Messie Marcolin - Vocals »
Janv. « Janne « Lindh - tambours » Leif Edling - basse »

It certainly broke the heart of many Doom Metal fanatics to see CANDLEMASS split up not once, but twice. But the time of mourning is finally over – Sweden`s finest slow-motion outfit has returned stronger than ever! Messiah, Leif and Co. are back to show their fellow Doomsters who the real masters of Epic Doom hymns are. Many listeners might be unaware that on CANDLEMASS` groundbreaking debut album “Epicus Doomicus Metallicus” (which gave a name to a whole subgenera) the vocal duties were not covered by Messiah but by Johan Langquist.

Messiah joined Black Sabbath enthusiast Leif Edling and the rest of the crew in time for their second effort, the immortal and epic “Nightfall”.
The density of all-time favourites such as “Dark Are The Veils Of Death”, “Bewitched” or “The Well Of Souls” on the 1987 album was, and still remains, breathtaking.
After the release of 1989`s concept album “Tales Of Creation”, Messiah left the band. The two “comeback” albums “Dactylis Glomerata” and “From The 13th Sun” were recorded with a different vocalist and saw the band experimenting with different moods and styles.

But for diehard CANDLEMASS fans, there was of course only one true possible reunion: with Messiah, who rejoined the band in 2002 for a legendary tour and more memorable shows. Shock and dismay hit the scene once again in 2004 when the band split once again – but thankfully the bad news didn't last too long: CANDLEMASS reformed with renewed strength to sign with Nuclear Blast .

Produced by CANDLEMASS bass player and songwriter genius Leif Edling, the new self-titled “Candlemass” opus embraces both a heavy, modern sound and the timeless CANDLEMASS trademarks that has won legions of fans since the bands early days in the mid eighties.

Outweighing even the classic “Nightfall” album, “Candlemass” sees the band at their personal best: catchy melodies courtesy of Leif Edling, beautiful guitar work by Mappe Björkman and Lasse Johansson, and on top of it all soars Messiah`s unique voice, sounding stronger and more majestic than ever!

“Candlemass” covers all the different facets of the doom metal style: “Black Dwarf” and “Witches” are pure mid-tempo neck-breakers blessed with strong melodic hooks which will prove very popular in the upcoming summer shows. While the achingly beautiful “Seven Silver Keys” – a masterpiece of unheard intensity - approaches territories covered in the past by such timeless classics as “Solitude” or “At The Gallows` End”. More traditional slow motion Doom fanatics will indulge in the über-heavy “Assassin Of The Light” and “Copernicus”. Doom shall rise? Most definitely. Long live CANDLEMASS, long live Doom? Hell yeah!

Nightwish

Nightwish est un groupe de heavy métal finlandais, qui a vu le jour en 1996, à l'initiative de Tuomas (claviers), qui réunit ses potes, autour d'un feu de camp, un soir de juillet. Les membres du groupe sont alors: Tarja (chanteuse) et Emppu (guitare). Le trio commence alors à écrire et à composer ses premiers morceaux. Jukka vient se joindre à Nightwish, en tant que batteur et le groupe entre en studio (avril 97). Ces premières maquettes séduisent Spinefarm, qui leur signe un contrat pour deux albums. Angels Fall First, le premier opus sort à la fin de l'année. Nightwish se produit lors de quelques dates, puis fait une pause, pour cause d'obligations militaires et poursuite d'études.
Au printemps 98, Sami Vänskä (bassiste) rejoint les rangs de Nightwish. Retour au calme pour la composition de nouveaux titres et l'enregistrement du deuxième opus. Oceanborn sort dans les bacs en novembre 98 et séduit le public et la critique. Fort de ce succès, Nightwish part en tournée en Scandinavie, conquérir de nouveaux fans. L'album est rapidement certifié disque d'or et les acolytes voyagent dans toute l'Europe. Vient ensuite le disque End Of An Era.
Début 2000, Nightwish est sélectionné par le comité de l'Eurovision, mais ne remporte pas le titre suprême. Peu importe, les Finlandais poursuivent leur route, avec une troisième galette Wishmaster, qui sort en mai 2000 et surtout qui pulvérise le sommet des charts du pays. Deux ans plus tard ils publient Century Child.
En 2004, Nightwish revient avec Once. L'année suivant, le groupe livre un best of intitulé Highest Hopes. Composé de seize plages, ce CD reprend les meilleurs morceaux de la formation finlandaise.

Motörhead est un groupe de hard rock britannique fondé en 1975 par Lemmy Kilmister, qui joua dans des groupes comme Sundowners, devenu plus tard The DeeJays, un groupe de reprises. Il passa également chez The Sapphires, The Rainmakers, The Motown Sect, puis The Rocking Vicars avant d'officier un moment comme roadie pour Jimi Hendrix et le groupe hippie The Nice. Il fut ensuite durant cinq ans bassiste du groupe Hawkwind, dont il fut renvoyé pour avoir snobé le LSD, fondement de la musique et de la vie de ce groupe, au profit des amphétamines. Les influences rock'n'roll de Motörhead sont très marquées : le groupe préféré de Lemmy est les Beatles. Fondement du metal avec un son très saturé et un batteur jouant sur une batterie à double grosse caisse, sans oublier la voix grave et éraillée de Lemmy, le groupe en a influencé bien d'autres, tels que Metallica ou Peer Günt. Un son très typé, notamment à cause de la forme initiale en trio en fait un groupe particulièrement reconnaissable.

Sommaire :

1 Histoire
2 Line-up
3 Surnoms
4 Discographie
5 Videographie
6 Livres
7 Liens

Histoire :

Le premier album à la pochette noire avec son effigie métallique menaçante sort en 1977, et comporte de bonnes compositions mais se fait surtout remarquer par la puissance brute et compacte de son rock accéléré à la croisée du hard rock et du punk alors en plein essor.

Néanmoins, il pourrait laisser indifférent s'il était resté sans suite. Ce n'est qu'avec Overkill, en 1979, qu'éclate le son « Motörhead », caractérisé par la double grosse caisse du batteur, la basse que Lemmy utilise comme une guitare rythmique, et une guitare fusionnant solos et rythmique de manière exceptionnelle. Le son procure une sensation assez sale, rapide et métallique, bien que les morceaux soient d'une construction traditionnelle rock. Cette musique inspire nettement la vitesse, l'urgence de vivre et de faire tout ce qu'une enveloppe humaine peut supporter, quel qu'en soit le risque. Le rythme souvent très rapide procure la plus grande part de cet effet, mais la construction des textes et les rimes utilisées renforcent l'expression d'urgence. Le développement le plus abouti de cette idée sera le morceau Ace of Spades sur l'album du même nom, mais le morceau le plus « Motörhead », qui sera repris par Metallica en 1996, est Stone Dead Forever, de l'album Bomber.

L'album Ace of Spades sorti en 1980 est donc sale, un peu lourd, à la fois lent et rapide, rock'n roll, et demeure une référence pour headbangers d'aujourd'hui par sa musique, sa sonorité et l'originalité de sa composition.

En 1981, No Sleep 'til Hammersmith, un live bien vivant, sort comme un petit best-of de ce « jeune groupe », sorte de copie-conforme de la première formation (soit Kilmister, "Fast" Eddie Clarke et Phil Taylor).

Iron Fist est pressé en 1982 et assène une bonne claque lui aussi. Des compositions plus abouties, différentes les unes des autres mais bien Motörhead de par le son sale et suant, dû en partie à la basse de Lemmy... C'est un bon album qui est lui aussi un repère du groupe, comprenant (à noter) un morceau instrumental nommé Young and Crazy qui est le seul du groupe à ce jour !

En 1983 la formation de départ n'est plus : Eddie Clarke a quitté le groupe, s'étant disputé avec Kilmister à propos d'une demoiselle... Il est remplacé par Brian Robertson, ancien guitariste de Thin Lizzy, avec lequel le groupe enregsitre Another Perfect day. Le son de ce disque est différent des autres, le jeu du guitariste étant nettement plus travaillé et propre que celui de Clarke. Pour cette raison, cet album est souvent peu apprécié des fans, qui n'ont pas du tout aimé non plus la manière de s'habiller de Robertson, avec ses pantalons moulants rouge vif... Mais la raison de son expulsion est plutôt à chercher dans son comportement incontrolable : cherchant à suivre Lemmy dans ses abus de drogue, il ne parvient même plus à comprendre quel morceau il est censé jouer sur scène.

En 1984, le groupe auditionne plusieurs guitaristes pour remplacer Robertson. Deux sont retenus : Phillip Campbell et le Wurzel. Etant aussi bons l'un que l'autre, Kilmister et Taylor les gardent tous les deux pour enregistrer quelques nouveaux morceaux qui parraîtront sur la compilation No Remorse.

En 1986 Taylor est remplacé par Pete Gill derrière les futs. Et une claque d'album : Orgasmatron, brut et parfaitement Motörhead !

En 1987 Philthy "Animal" Taylor revient ! Pour Rock'n Roll, un album très diversifié mais différent dans sa composition. Un très bon album, souvent mal estimé.

En 1988, un second live, No Sleep at All.

En 1991, le son de Motörhead évolue pour donner naissance à 1916. Comprenant la ballade synthétique du même nom. L'album est bon, mais se distingue. Motörhead évolue doucement sans perdre de racines. Avec un hommage au punk par le titre R.A.M.O.N.E.S. court et très bon.

1992, Phil Taylor n'est définitivement plus dans le groupe. March or Die est un album qui rompt avec le reste. Relativement lent, il comprend un titre avec Ozzy Osbourne et Slash et des textes fouillés... mais des compos balladeuses. On s'ennuie, mais on peut aimer. Le changement est là ; le groupe se cherche. Mikkey Dee est le nouveau batteur et on le sent dans son jeu. L'année suivante, Bastards remet les pendules à l'heure !

Le nouveau son est là, plus lourd et... plus "pop" ?! Bastards est rapide, moins sale mais excellent. Pas le meilleur, mais l'évolution du groupe est donnée et assène de bons gros coups en concert. La machine revient !

De 1995, à 2002, les albums se ressemblent mais restent bons et dorénavant lourds, plus metal. Il faut écouter l'excellent Sacrifice. Motörhead reste aussi une bête de scène !

En 2004 est sorti Inferno, qui montre la vivacité du groupe sans Wurzel. Son énorme, double pédale, mid-tempo et rapide, rock'n roll à jamais ! Et le blues en dernier fait un bien fou, sorte de outro bien monté.


Fait à souligner. Le titre The Game a été écrit pour le catcheur Triple H (surnommé The Game ou encore The King of Kings), de la WWE. Triple H est un très grand fan de Motörhead, il participe aussi en back vocal à la pièce Serial Killer. Et vers le mois d'avril 2006 , Motörhead fait la nouvelle chanson de Triple H : The King Of the Kings.

Line-up :

1975-1976 : Lemmy Kilmister (basse/chant) - Lucas Fox (batterie) - Larry Wallis (guitare)
1976-1982 : Lemmy Kilmister (basse/chant) - Phil Taylor (batterie) - Eddie Clarke (guitare)
1983-1984 : Lemmy Kilmister (basse/chant) - Phil Taylor (batterie) - Brian Robertson (guitare)
1984-1987 : Lemmy Kilmister (basse/chant) - Pete Gill (batterie) - Phil Campbell (guitare) - Mick Burtson (guitare)
1987-1992 : Lemmy Kilmister (basse/chant) - Phil Taylor (batterie) - Phil Campbell (guitare) - Mick Burtson (guitare)
1992-1995 : Lemmy Kilmister (basse/chant) - Mikael Delaoglou (batterie) - Phil Campbell (guitare) - Mick Burtson (guitare)
1995-???? : Lemmy Kilmister (basse/chant) - Mikael Delaoglou (batterie) - Phil Campbell (guitare)

Surnoms :

Ian Fraser Kilminster : Lemmy
Brian Robertson : Robbo
Eddie Clarke : Fast Eddie
Mick Burston : Würzel
Mikael Delaoglou : Mikkey Dee
Phil Campbell : Wizzo - Zoom
Phil Taylor : Philthy - Philthy Animal Taylor

Discographie :

1975 : On Parole (sorti en 1979)
1977 : Motörhead
Leaving Here (single)
Motörhead / City Kids (single)
Motörhead / Over The Top (single)
The Train Kept A-Rollin' (single)
1979 : Overkill
Louie Louie (single)
No Class / Like A Nightmare (single)
Overkill (single)
1979 : Bomber
Bomber / Over The Top (single)
1980 : Beer Drinkers (EP)
1980 : Ace of Spades
Ace of Spades / Dirty Love (single)
The Golden Years - Live EP
1981 : No Sleep Til Hammersmith (live)
1982 : Iron Fist
Iron Fist (single)
1982 : St Valentine's Day Massacre (EP avec le groupe Girlschool)
1982 : Stand By Your Man (EP avec Wendy O. Williams des Plasmatics)
1983 : Another Perfect Day
I Got Mine (single)
Shine (single)
1984 : No Remorse (compilation)
1984 : Killed By Death (single 7" et 12". La version 12" contient des faces B où chaque membre change d'instrument)
1986 : Orgasmatron
Deaf Forever (single)
1987 : Rock'N'Roll
Eat The Rich (single)
Rock'n'Roll (single)
Traitor (single)
1988 : No Sleep At All (live)
1991 : 1916
Angel City & Other Cities Live (cd promo 4 titres live à Munich en 1991)
Going To Brazil (single)
It's Almost...1916 (cd promo contenant des titres non retenu pour l'album + une interview de Lemmy)
No Voices In The Sky (single)
The One To Sing The Blues (single)
1992 : March ör Die
Bad Religion (single)
Cat Scratch Fever (cd promo)
You Better Run (cd promo)
1992 : '92 Tour (EP)
1993 : Bastards
Born To Raise Hell (single)
Burner (single)
Don't Let Daddy Kiss Me (single)
1995 : Sacrifice
Sacrifice (single)
1996 : Overnight Sensation
I Don't Believe A Word (single)
1998 : Snake Bite Love
Love For Sale / Take The Blame (single)
1999 : Everything Louder Than Everyone Else (live)
2000 : We Are Motörhead
God Save The Queen (single)
See Me Burning (single)
2000 : The Best of Motörhead (compilation)
2000 : The Chase Is Better Than The Catch (compilation)
2000 : Over The Top - The Rarities (compilation)
2001 : All The Aces (compilation)
2002 : Hammered
2003 : Stone Deaf Forever (box set 5 cd) (compilation)
2003 : Live At Brixton Academy - The Complete Concert (live)
2004 : Inferno (album)
2005 : The BBC Sessions (double album)

Vidéographie :

1982 : Live In Toronto - Castle Hendering (VHS)
1984 : Another Perfect Day EP (VHS)
1985 : Birthday Party (VHS)
1986 : Deaf Not Blind (VHS)
1988 : EP (VHS)
1991 : Everything louder Than Everything Else (VHS)
2001 : 25 & Alive Boneshaker - Steamhammer - SPV (DVD)
2002 : Motörhead EP (DVD)
2002 : The Best of Motörhead (DVD)
2003 : The Special Edition EP (DVD)
2004 : Everything Louder Than Everything Else (Live 1991) (DVD)
2005 : Stage Fright (Live 2004) (DVD)

Livres :

2002 : White Line Fever (Lemmy Kilmister)
2004 : La fièvre de la ligne blanche (Lemmy Kilmister)

Quatre filles dans la Toundra

Composé de quatre voix féminines et de six instrumentistes, VÄRTTINÄ est de ces groupes qui portent loin et haut les échos du folk finlandais et de la culture carélienne, non sans les assaisonner d'arrangements très personnels à la cause pop, rock ou jazz. Plusieurs pays ont déjà succombé aux stupéfiantes attaques vocales des déesses "värttiniennes". La France pourrait bien à son tour se laisser subjuguer après le passage très remarqué de VÄRTTINÄ au Festival Babel de Strasbourg cet été et au Glaz' Art à Paris à la mi-octobre, à l'occasion de la sortie de son nouvel album, Ilmatar (Wicklow/BMG). Impossible de rester de glace !

C'est dans le village de Rääkkyla, en Carélie (région du sud-est de la Finlande) que VÂRTTINÄ a vu le jour, il y a dix-sept ans, soit en 1983, sous l'impulsion des chanteuses et joueuses de kantele Sari et Mari KAASINEN. Cette dernière raconte : "A l'origine, il y avait 8 filles dans le groupe et nous étions plutôt portées sur la lecture de poèmes et sur la chanson traditionnelle. Nous avons ensuite étudié la possibilité d'y ajouter de l'instrumentation. Nous avons donc cherché des musiciens ; Janne LAPPALAINEN fut le premier. De 1984 à 1989, la formation a compté jusqu'à 21 membres et a enregistré deux disques."

Quinze chanteuses et joueuses de kantele, une guitare acoustique, une contrebasse, un fiddle, un accordéon, un saxophone, une flûte et un tin whistle, voilà le cocktail sonore qui se donne à entendre sur les albums Värttinä (1987) et Musta Lindu (1989).

VÄRTTINÄ : Phase 2

Devant la défection de sept membres du groupe, partis pour d'autres aventures, les chanteuses Sari et Mari KAASINEN et Kirsi KÄHKÖNEN, suivies de Janne LAPPALAINEN (saxophones, bouzouki, kaval, etc.) recrutent de nouveaux membres au début des années 90 et VÄRTTINA reprend son envol, non sans changements significatifs.

"Nous sommes devenus plus professionnels, explique Janne LAPPALAINEN. Avant, c'était juste un loisir pour nous, nous étions tout gosses ! Et puis, nous avons voulu faire de la musique plus sérieusement."

Cela devient tellement plus sérieux que la nouvelle formation accumule les records de vente d'albums. Oi Dai, paru en 1991, sera disque de platine, tandis que Seleniko, sorti l'année suivante, arrivera en tête des hit-parades "world music" radiophoniques, notamment grâce au single Kyla Vuotti Uutta Kuunta.

Le disque sera du reste distribué en Amérique du Nord et dans le Bénélux, où le groupe se produira en tournée. Récemment, la chanteuse Tanita TIKARAM a "samplé" un morceau de cet album, Seelinnikoi.

C'est une nouvelle carrière qui s'ouvre pour VÄRTTINA, comme le déclare le guitariste Antto VARILO (également au banjo et kantele) :

"Pour beaucoup de gens, il y a le "vieux" VÄRTTINÄ et le "nouveau" VÄRTTINÄ, et ils sonnent différemment. Petit à petit, les concerts se sont fait plus nombreux et nous avons atteint la scène internationale. De plus, nous avons fini par composer nos propres morceaux. Au début, nous ne faisions que du trad'. Actuellement, nous ne jouons pratiquement plus que des thèmes originaux."

Les chansons froides à l'assaut du monde

L'album Aitara, paru en 1994, confirmera le succès international de VÄRTTINÄ puisqu'on le retrouvera dans le Top Ten du hit-parade européen dans la catégorie "world music" et numéro 1 des hit-parades "world music" des radios américaines. Tout comme lors de sa tournée précédente, VÄRTTINÄ se produira en concert aux Etats-Unis à guichets fermés. Suivra une tournée qui passera par la Suède, le festival de Vienne, le Bénélux, l'Espagne et, tant qu'à faire, la Finlande !

La célébrité de VÄRTTINÄ s'étant assez répandue, les quatre chanteuses du groupe seront sollicitées par Hector ZAZOU pour son sublime album Chansons des mers froides (1994) et par la chanteuse Maggie REILLY pour son disque Elena. 1996 verra VÄRTTINÄ se produire pour la première fois en France, au MIDEM de Cannes, mais aussi au Queen Elizabeth Hall de Londres, au Portugal, au Bénélux, en Hollande, en Amérique du Nord. Et c'est sur des chapeaux de roues que le groupe embrayera avec un sixième album, Kokko, qui sera lui aussi accueilli avec les honneurs aux Etats-Unis et en Europe. Lors de sa tournée internationale, le groupe se produira pour la première fois en Allemagne et en Australie et fera une apparition à Tokyo, Budapest, etc.

C'est néanmoins le moment où l'une des chanteuses fondatrices du groupe, Sari KAASINEN, tirera sa révérence pour entamer une carrière soliste et avec le groupe SIRMAKKA. Elle sera remplacée par la chanteuse et accordéoniste Susan AHO.


Dans le fief des CHIEFTAINS

Après une tournée mondiale qui passera par le festival Celtic Connections de Glasgow (avec Maria KALANIEMI et Carlos NUÑEZ), le festival Europa Sziget de Budapest, l'Espagne, les Asturies et le Japon - non sans avoir fêter ses quinze ans d'existence "at home" à Rääkkylä - VÄRTTINÄ sort son septième opus, Vihma, sur le label de Paddy MOLONEY (figure emblématique des CHIEFTAINS), Wicklow, distribué par BMG. L'album sera de nouveau plébiscité par les "charts" européens, américains et japonais.

Co-produit par Richard HOROWITZ (connu pour son travail avec la chanteuse Susan DEYHIM), Vihma marque encore un nouveau développement dans la musique de VÄRTTINÄ, qui ouvre ses portes au groupe de "fiddlers" finlandais JPP et au groupe de la République autonome de Touva, YAT-KHA (autre découverte du label Wicklow), avec ses immanquables chants de gorge. La coloration pop-rock des albums du début des années 90 s'estompe au profit de climats mystérieux aux résonances mythiques.

La déesse de l'air

Cette année, après un passage très remarqué au festival Babel de Strasbourg, VÄRTTINA a sorti son huitième opus, toujours chez Wicklow/ BMG. Du nom de la déesse de l'air selon un antique "runo" carélien, Ilmatar est probablement l'album le plus aventureux et envoûtant du groupe, produit cette fois-ci par Hugues de COURSON (remember MALICORNE ?).

"Cette rencontre a eu lieu grâce à notre manager, Phillip PAGE, déclare Janne LAPPALAINEN. Il avait rencontré Hugues de COURSON, lequel lui a donné des CD que nous avons écoutés pendant une tournée. Et nous nous sommes dits que c'était l'homme qui pourrait bien nous aider à réaliser notre nouveau disque, car nous avions quelques idées sur la question. Et ce fut le cas ! Il est venu en Finlande nous voir en répétition, et il a suggéré de bonnes trouvailles sur les sonorités. Nous lui avons envoyé une bande, il a fait quelques annotations et nous avons revu certaines choses.

Nous avions à peu près une vingtaine de chansons à lui soumettre et il en a choisi 12 qui devaient être enregistrées et 11 d'entre elles se sont retrouvées sur le CD. Les sessions de studio ont été très plaisantes, c'était sympa de travailler avec Hugues tant il est ouvert. Nous avons surtout joué live, sans trop d'"overdubs",et c'était ce qu'il fallait."

VÄRTTINÄ comprend à l'heure actuelle dix membres : Riikka VAYRYNEN est venue renforcer les rangs des chanteuses en lieu et plaçe de Sirpa REIMAN et l'accordéon affiche une nouvelle présence en la personne de Markku LEPISTÖ.

Parmi les heureux élus conviés à apporter leur concours, on remarque le rocker finlandais Ismo ALANKO (sur le traditionnel Aijo) et - ô pertinente surprise - Gilles CHABENAT, dont la vielle à roue fait merveille sur plusieurs thèmes, renforçant l'écho rustique de l'inspiration "värttinienne". On note également l'usage, dans Meri, d'un enregistrement de 1959 du chanteur hongrois Nagy LUCINA. Son troublant chant de lamentation qui s'ajoute aux vocaux éplorés des quatre chanteuses finlandaises constitue un moment particulièrement émouvant, d'autant que c'est le morceau qui clôt l'album.

Survivance des "runos" caréliens

Bien qu'il ait abandonné depuis longtemps le répertoire traditionnel finlandais, VÄRTTINÄ doit son succès (et son intérêt) au fait d'avoir toujours conservé des éléments de la culture traditionnelle finlandaise, surtout en ce qui concerne le chant, dans ses compositions.

"C'est principalement Kirsi KHÄHKÖNEN et moi - les filles quoi ! - qui écrivons les paroles, affirme Mari KAASINEN. Il n'est pas forcément nécessaire d'avoir constamment quatre chanteuses pour chanter dans le style traditionnel. Il y a aussi des chants solos, mais bien sûr, les harmoniques sont très importants et notre matériau se prête aux harmoniques."

Ainsi, VÄRTTINÄ puise souvent son inspiration dans les antiques "runos" de Carélie. Selon Kirsi KÄHKÖNEN, " il est toujours plus facile de chanter dans la langue que l'on connaît. La nôtre, c'est du dialecte carélien. Cela donne une certaine liberté. A l'origine, nous avons étudié dans la partie est de la Finlande, donc la Carélie, mais une bonne partie de celle-ci - la plus importante - appartient de nos jours à la Russie puisque nous l'avons perdue durant la guerre de 1939-40. Mais il existe de vieux livres, de vieux enregistrements de chansons et des poèmes dont nous nous sommes servis.".

"Nous n'avons pas eu besoin de collecter des thèmes de la vieille Carélie, ajoute Antto VARILO, dans la mesure où, dans la partie finnoise de la Carélie, il y a assez de matériau. De plus, il n'y a plus vraiment grand monde auprès de qui on aurait pu apprendre. Soit les gens sont morts, soit ils ont oublié ces chansons traditionnelles. Le pouvoir russe ne les a pas autorisés à préserver leur fonds culturel."

Ouverture à l'Est

Une bonne partie de la tradition carélienne se serait ainsi perdue, mais pas de manière définitive. Cela dit, la chute de l'empire russe n'a pas eu de conséquences désastreuses pour la culture finlandaise.

" Ca ne nous a pas vraiment affectés, déclare Jane LAPPALAINEN, dans la mesure où, d'une certaine façon, nous appartenons plutôt à l'Ouest. Bien sûr, la pression russe nous a affecté un temps, mais quand le mur de Berlin s'est effondré, par exemple, nous étions déjà du côté de l'Ouest puisque avons conquis notre indépendance en 1980. Depuis que les frontières se sont ouvertes, on peut plus facilement rencontrer les Russes et s'influencer de leur culture ; de même, la culture russe peut survivre parce qu'elle s'ouvre."

VÄRTTINÄ s'est de ce fait produit sur scène à Moscou, Leningrad. Kirsi KÄHKÖNEN se souvient :

"Nous avons eu un accueil extraordinaire ! A l'occasion d'un grand festival, on a rencontrés des gens de souche finno-ougrienne qui faisaient du collectage. On a aussi rencontré de vieilles femmes qui chantaient des airs traditionnels. C'était très beau. Elles nous ont même appris quelques chansons."

Néanmoins, VÄRTTINÄ a opté pour une démarche différente de la préservation pure et simple du répertoire traditionnel.

"Il y a certes maintenant des gens qui s'intéressent à leur tradition et qui tentent d'apprendre ces vieilles chansons, de les faire revivre, poursuit Antto VARILO, mais notre propos est un peu différent. Nous avons joué ces chansons ; à présent, nous tâchons de créer quelque chose de plus personnel. Nous ne faisons plus du trad', mais ce que nous faisons s'appuie sur les styles traditionnels."

Par conséquent, le public traditionnel risque d'appréhender difficilement ce mélange de sonorités traditionnelles et électriques pratiqué par VÄRTTINÄ. A la question "Cela lui pose-t-il problème ou non ?", Antto VARILO répond : "Bien sûr, c'est fait pour !"

Une guitare. Cinq voix.
Des costumes rouges.
Du théâtre musical humoristique ?
De l'humour théâtral en chanson ?
De la chanson théâtralisee à l'humour ?
Les Wriggles ont tellement mélange
les genres que plus personne ne s'y retrouve
et que toutle monde s'y reconnaît.

Ce sont des chants nullilistes,
des polyphonies punks, des raps
acoustiques, des contes pour enfants,
des ballades amoureuses.
Ce sont des personnages qui chantent
et des chanteurs qui jouent.
Violents, débiles, satiriques, absurdes,
poétiques, drôles et pathétiques.
Toujours rouges dans les costumes
et parfois noirs dans les propos,
les Wriggles font beaucoup de choses
et beaucoup de choses font les Wriggles.

Cinq comédiens auteurs-compositeurs
issus de l'école de la rue Blanche
pour un spectacle burlesque musical sans décor.
Le cinquième depuis la creation de la compagnie
Quidam qu'ils fondèrent en 1994,
après diverses expériences dans le cirque,
le cinéma et le théâtre

bonjour tous ,
je voudrais remercié chaki de m avoir fait connaitre cette music qui est vraiment super .voila mon pti chaki je te fait un gros poutou et merci encore .
bichettem

TT les Plaisire et pour moi ma Cher

The Lucid Dementia Bio:

The Award Winning Lucid Dementia!!
The 2004-05 Austin Music Awards:
Voted Best Industrial/Goth Band
Voted 4th Best Metal Band
Voted 3rd Best Punk Band
Sheldon Reynolds Voted 2nd Best Record Producer for his work
on "The List"
More from the Austin Music Awards

***********************************

The Edge Magazine Music Awards 2005
Voted Best Goth Band
Voted Best Puppet Show
Voted Best Flyer (By Azil X!)
Voted 2nd Best Industrial Band
Voted 3rd Best Female Singer (Holly!)

Music Style:
Dark, Danceable, Orchestrated, Tongue-In-Cheek, Political Aggressive, Nihilistic, Mechanized, Manic Music

Influences:
Interesting sounds, powerful guitar riffs, hooks so deep you bleed, drums that really thump, the vocal insanity of a children's puppet show, bass lines that dance and the wonderful horror of living.

Explanation:
"Lucid Dementia" is named after a six foot tall alien-like creature puppet that fronts the band, and who has been leading it in a full frontal assault on audiences since 1996. The legendary Lucid Dementia performance is a cross between a b-movie slasher flick, a David Lynch film, and a children's puppet show gone horribly wrong.* You have to see it to believe it.
*"I would like to put forth my enthusiastic praise of any and all use of fake blood. I support and encourage the incorporation of as much fake blood as possible into any situation, holiday gatherings and business transactions being my favourites."
-Daniel Crandall, Rank and Review Magazine -Aug. 2004
Lucid Dementia is currently playing live in support of their newest release, "The List". The song "F.U.T." from "The List" has charted in the top 5 on 99.9 - The Electric Front internet radio, and was listed in 16th place in their top 100 songs for 2004. "When" from "The List" has charted for 8 weeks in the top ten in 2005. www.theelectricfront.com

Exposure:
Lucid Dementia recently amazed the crowds at The Austin Pecan Street Festival: http://geocities.com/newsstory.geo/ and rocked the folks at The Republic of Texas Biker Rally. Lucid Dementia is being played by underground djs all over the world. Lucid Dementia has performed in Austin, Dallas, San Antonio, San Marcos, Manitou Springs, and Colorado Springs, opening for nationally touring bands such as "Switchblade Symphony", "Clan Of Xymox", "Kevorkian Death Cycle", and "Razed In Black". A national US tour is planned to support the next album release. Lucid Dementia has been reviewed by the Austin Chronicle, Outburn Magazine, Industrial Nation (Magazine), Interface Magazine and Newgrave Magazine. Lucid Dementia also appeared on the Austin public access TV show: "Rawtime".

Band Members:
Sheldon (Puppet Master, Programmer, Vocalist) Holly (Femme Vocals) , AzilX (Drums), Lord Byron Payne (Guitar Contortionists) & Nik (Bass Manipulator)

History

Spawned in 1996
by creator Sheldon Reynolds, he sought out to create music that was similar to the industrial music he loved during the 80's, but did not sound like anything ever composed before. The original name of the band was: "The fall and rise of Lucid Dementia, as performed by The Tribe Of The Tantrick Puke Whores". This was shortened to the current name quickly thereafter. The artists on this release were Sheldon (Programming, Singing, Guitars) Kitty Mao (Female Vox and Samples) Kali 666 (Xtra Guitarwork).

2006:
So far a great year for Lucid Dementia. Lucid Dementia has never played a single show during the Austin festival, "SXSW" and this year Lucid Dementia played 3! After this the band has taken a break from playing live so they could spend more time working on new music for the 3rd full length album. Meanwhile, Ann Marie has moved to Dallas to work with another project she has been working on, and Nik has stepped into her place. Also, ûzeful has moved on to work on his own band, but may still make appearances for future live shows. Lord Byron Payne has stepped up to take on being our sole guitar manipulator. This change will give Luci a little more room on stage to jump and whip about. Lucid Dementia will be performing for the first time in September after their 5 month break, whose performances will include 2 new songs from the up and coming album, so don't miss it!

2005:
This proved to be an amazing year for Lucid Dementia. We smashed the Austin Chronicle Music Awards (see above). The full on 6 piece band proved to be a very powerful force during live shows (audiences leave the venue still shaking). Lucid Dementia played a show to the general public at The Pecan Street Festival, and was overwhelmingly appreciated. Lucid Dementia also played to a crowd of rowdy bikers at The Rebublic of Texas Biker Rally, and not a single bottle was thrown, rather, they loved us, and we were actually invited to next years Biker Rally at Sturgis! Many more amazing shows were to follow, including opening slots for The Crux Shadows and X-Singer of "The Misfits": "Micheal Graves"!

2004:
This is the year of the release of the highly anticipated 2nd album by Lucid Dementia: "The List" The List was released with brilliant reviews and praise. The song "F.U.T." from the album charted 16th in the top 100 for 2004 on the online radio station, "The Electric Front" (there is a link to the website on our links page). A 2nd guitarist, Lord Byron Payne, was added to the band, as well as a new Bass player, Ann Marie. Both pro-players, The Lucid Dementia show became a well polished professional act. Now tighter then ever, new venues and shows began to open up for them.

2003:
The band is a machine this year, playing shows in Austin, San Antonio, Fort Worth, San Marcos, and (FINALLY!!!) Houston. Not just any show in Houston, but the annual Vampyre ball at #'s. They also did a small halloween tour in october, playing Austin(Elysium), Houston(Numbers), and San Antonio(Communion). On the way to the Communion show, Sheldon and Holly are in a 3 car pileup, Sheldon is okay, but Holly suffers a concussion with whiplash, and a sore back. She played the show anyway! In the middle of the Communion show, Sheldon (as Luci) fell off the stage, and bent his knee the wrong way, tearing some ligaments. Sheldon didn't walk very well for a few months. What a fun show! (and oh yeah, he finished the show!).

2002:
It is looking more and more like the new album will be finished by the end of this year. Also, there is a local film production company currently interested in filming a video for the band, that will hopefully coincide with the new album release.2002:
Lucid Dementia continues to work hard on the new album. They also begin to play some of the new songs live. Cassandra (female Vox) and Vincent (guitar) leave the band to pursue other artistic interests. Holly (female vox), ûzeful (guitar), join the band, and for the first time since it's inception, they add a bass player: Twitchy. After a few months of revamping the bands dynamics, the band plays a private show at a house party to a packed house, and blow the room away. The new members, including the added bass player really fill up the bands sound.
The band is sounding better then ever.

2001:
Lucid Dementia continues work on 2nd album. Meanwhile, they expand their playing fields to San Antonio and Dallas. Lucid Dementia is signed up to appear on benefit cd: "Austin New Music Project Winter 2001 Compilation". Also, Lucid Dementia recieves a smashing review by new Los Angeles magazine "New Grave", which helps to inject Lucid Dementia music into club dj playlists all over the LA area. Yay! We're being played in LA!

2000:
The limited edition promotional cd single "Song For Newborn" is released, with an official cd release party at the "Atomic Cafe". That summer, Lucid Dementia goes on their first tour of America. The tour was a great success. Sheldon revamps the Lucid Dementia compound studio, building a computer system with the ability to record and sequence the next full length Lucid Dementia album. This proves to be a slow, expensive, difficult task, but was well worth it.1999:
Christian leaves the band, to go record with his famous jazz guitar playing Uncle in Spain. Vincent is quickly dug up to fill his space.

1997-99:
Lucid Dementia was taken under the wing of the late Randall Goodwin, and his club "Atomic Cafe". With his guidance Lucid Dementia grew into the perfessional band that it is today, as well as gave them the opportunity to play with such great bands as "Clan Of Xymox", "Switchblade Symphony", "Kevorkian Death Cycle", "Terminal 46", and "Razed In Black". Randall passed away in 1999. Although he is greatly missed, his lessons in the music business lived on with the band.

1997:
The first full length Lucid Dementia CD is released: "Twisted". That same year, the first incarnation of the "Tribe" was gathered, including: Sheldon - Puppetmaster, Cassandra - Female Vox and Digeridoo, AzilX - Drums, Christian - Guitar Contortionist. Shortly after the cds release, Lucid Dementia was signed by the label "COP Internation", for the one time inclusion on the internationally released gothic-industrial compilation for women: "Diva Ex Machina2".

plus d infos : http://www.luciddementia.com/

et pour ceux qui parlent pas anglais ca donne quoi ?

salut cathy !

desole, j ai juste fait un copier coller de la bio car c est un groupe a decouvrir tres vite ! mais pas eu le temps de le traduire encore ... je vais m y mettre tres bientot !
donc t en fais pas, dans pas longtemps tu pourras savoir ce que tout ceci signifie


<== trop sympa ce smiley ^^'